Los oscars de 2005

MEJOR PELÍCULA
'Entre copas'
-> 'Million Dollar Baby'
'Ray'
'Descubriendo Nunca Jamás'
'El aviador'

MEJOR DIRECTOR
Martin Scorsese ('El aviador')
-> Clint Eastwood ('Million Dollar Baby')
Taylor Hackford ('Ray')
Mike Leigh ('El secreto de Vera Drake')
Alexander Payne ('Entre copas')

MEJOR ACTOR
-> Jamie Foxx ('Ray')
Leonardo DiCaprio ('El aviador')
Don Cheadle ('Hotel Ruanda')
Johnny Depp ('Descubriendo Nunca Jamás')
Clint Eastwood ('Million Dollar Baby')

MEJOR ACTRIZ
-> Hilary Swank ('Million Dollar Baby')
Imelda Staunton ('El secreto de Vera Drake')
Kate Winslet ('Olvídate de mí')
Catalina Sandino ('María, llena eres de gracia')
Annette Bening ('Conociendo a Julia')

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Thomas Haden ('Entre copas')
Clive Owen ('Closer')
Jamie Foxx ('Collateral')
-> M. Freeman ('Million Dollar Baby')
Alan Alda ('El aviador')

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Virginia Madsen ('Entre copas')
-> Cate Blanchett ('El aviador')
Natalie Portman ('Closer')
Sophie Okonedo ('Hotel Ruanda')
Laura Linney ('Kinsey')

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
'El aviador'
-> 'Olvídate de mí'
'Hotel Ruanda'
'Los increíbles'
'El secreto de Vera Drake'

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
'Antes del atardecer'
'Diarios de motocicleta'
'Descubriendo Nunca Jamás'
'Million Dollar Baby'
-> 'Entre copas' ('Sideways')

MEJOR DOCUMENTAL
-> 'Born into Brothels'
'Tupac: Resurrection'
'The Story of the Weeping Camel'
'Twist of Faith'
'Super Size Me'

MEJOR CORTO DOCUMENTAL
'Autism is a World'
-> 'Mighty Times: The Children's March'
'The Children of Leningradsky'
'Sister Rose's Passion'
'Hardwood'

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
'As it is in heaven' (Suecia)
-> 'Mar adentro' (España)
'Los chicos del coro' (Francia)
'Yesterday' (Sudáfrica)
'El hundimiento' (Alemania)

MEJOR MONTAJE
-> 'El aviador'
'Million Dollar Baby'
'Collateral'
'Ray'
'Descubriendo Nunca Jamás'

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
-> 'El aviador'
'El fantasma de la ópera'
'La casa de las dagas voladoras'
'Largo domingo de noviazgo'
'La pasión de Cristo'

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
-> 'El aviador'
'El fantasma de la ópera'
'Descubriendo Nunca Jamás'
'Largo domingo de noviazgo'
'Lemony Snicket'

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
-> 'Descubriendo Nunca Jamás'
'Harry Potter y el prisionero de Azkabán'
'Lemony Snicket'
'La pasión de Cristo'
'El bosque'

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Accidentally in Love ('Shrek 2')
-> Al otro lado del río ('Diarios de una motocicleta')
Believe ('The Polar Express')
Learn to Be Lonely ('El fantasma de la ópera')
Look to your Path ('Los chicos del coro')

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
-> 'El aviador'
'Ray'
'Descubriendo Nunca Jamás'
'Troya'
'Lemony Snicket'

MEJOR MAQUILLAJE
-> 'Lemony Snicket'
'Mar adentro'
'La pasión de Cristo'

MEJORES EFECTOS SONOROS
'El aviador'
-> 'Ray'
'Los increíbles'
'Spider Man 2'
'The Polar Express'

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
-> 'Los increíbles'
'Spider Man 2'
'The Polar Express'

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
'Harry Potter y el prisionero de Azkabán'
-> 'Spider Man 2'
'Yo, robot'

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
-> 'Los increíbles'
'Shrek 2'
'El espantatiburones'


MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
'Everything in the Country Must'
'7.35 de la mañana' (España)
'Little Terrorist'
'Two Cars, One Night'
'Wasp'

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
'Birthday Boy'
'Guard Dog'
'Gopher broke'
'Lorenzo'
'Ryan'

El Mundo

2. El retorno al hogar

La odisea trata de la vuelta a casa del guerrero cansado. En el camino sufre muchas peripecias, encuentra a Polifemo, a Circe, a Escila y Caribdis. Las pruebas del héroe son sobre todo morales. Cuando llega a casa tiene que esforzarse por ser reconocido, y tiene que luchar con los amantes de su esposa. En la literatura, El Ulises de Joyce es la transliteración del mismo mito a nuestra vida cotidiana.

En el cine el tema básico de la vuelta a casa aparece en muchos peplums, como el Ulises de Dino de Laurentiis, o en Gladiator. Aparece en grandes películas bélicas, como El cazador, o Los mejores años de nuestras vidas, donde son muchos los soldados que tienen que volver a la vida civil y cada uno es acogido de distinta manera. Forman parte de la misma hornada de repatriados sin rumbo los traumatizados excombatientes que emprenden una venganza en solitario contra el conjunto de la sociedad, respuesta psicopatológica que el actor Robert de Niro encarnó con contundencia en Taxi driver (1976) y que ha sido seguida después por una innumerable lista de thrillers.

La vuelta a casa aparece en los cruzados, y en las versiones de Robin Hood y Ivanhoe, donde el Ulises sajón tiene que disfrazarse y ser reconocido por los suyos. En El retorno de Martin Guerre, film de culto francés, de 1982, el hombre que vuelve de la guerra resulta ser realmente un impostor. Las road movies son películas que tratan también de este tema. Wim Wenders rodó varias. En Paris Texas, el reencuentro sobervio entre Travis y su mujer se produce en un peep show.

Dentro de este grupo también se pueden incluír grandes westerns, como la Diligencia donde Ringo viaja por el desierto para llevar a cabo una venganza familiar antes de descansar. Y la inagotable Centauros del desierto. Ethan parece condenado a vagar por el desierto, igual que Ulises por el mar homérico. Ethan siempre se queda a las puertas del hogar que visita sin llegar a quedarse, por eso la película se abre y se cierra con un umbral.

Cold Mountain; Atando Cabos; Cimarrón; Johnny Guitar; Entre copas.

Balló y Pérez. La semilla inmortal.

El hundimiento

Olivier Hirschbiegel, 2004
Reparto: Bruno Ganz (Adolf Hitler), Alexandra Maria Lara (Traudl Junge), Corinna Harfouch (Magda Goebbels), Ulrich Matthes (Joseph Goebbels), Juliane Köhler (Eva Braun), Heino Ferch (Albert Speer), Christian Berkel (Schenck), Matthias Habich (Werner Haase), Thomas Kretschmann (Hermann Fegelein), Ulrich Noethen (Heinrich Himmler).
*

Fervor suicida

¿A quién le importa lo que sintieron los malos de todas las películas que se han rodado los últimos sesenta años? ¿A quién le importa el horror que pudo ser para unos hombres que iban a gobernar el mundo saber que iban a ser pisoteados por el ejército soviético con ansias de revancha? Pues les diré a quien le importa: a mí, a mi me importa muchísimo. Por eso no me gusta esta película. Aunque hayan pasado sesenta años, las heridas no se han curado aún, y los alemanes no se atreven a explicar el horror que pudo ser para unos hombres elitistas capaces de conquistar media Europa en unas semanas, llegar a perderlo todo.

Los alemanes no pueden hablar de su herida porque entonces toda Europa les enseñaría las suyas, y la de Israel da para muchas series de televisión. Ha sido estrenar la película y todos los criticos han ido a verla para ver si perdonan o no perdonan al autor. Los alemanes todavía tienen que hablar con el resto de Europa pidiendo perdón, y no entro en el tema de si eso está bien o no. Pero a mi nadie me pide responsabilidades por los excesos de Franco. El caso es que Hirschbiegel ha conseguido que le perdonen todos porque su Hitler está loco y se enorgullece de haber exterminado a los judíos, pero yo no le perdono, porque el relato es aburridísimo.

De algún modo, Olivier Hirschbiegel ha colado su mensaje. Ha conseguido que por un rato nos sintamos en el lugar de los alemanes. La madre que administra veneno a los niños uno a uno, los fieles servidores que se quitan la vida.

El problema de este fervor suicida, superado sólo por el de “El último samurái”, es que carece de sentido, y por tanto, de tensión. Los alemanes se suicidan porque ven caer el mundo que ellos habían soñado. Pero ese mundo que soñaron es el mismo que hoy repudiamos casi unánimemente. Por eso sus gestos carecen de sentido, es imposible que les comprendamos, y por tanto que lo lamentemos. Y creo que no es eso lo que los creadores pretendían.

KiyoaKi: Y ahora que la he visto entiendo todo el revuelo que se ha montado, porque en más de una ocasión mientras estuve viendo la película pensé “pobre hombre” al ver a Hitler. Parece mentira que uno pueda decir algo así del individuo que sumió en la guerra a toda Europa y que acabó con la vida de millones de personas, pero es lo que consigue esta película
Alberto Bermejo ****: Pocas veces se sale de una sala de cine con la impresión de haber asistido a algo tan apabullantemente exacto como de 'El hundimiento'.
Bruno Gantz, parecidos físicos aparte, aterroriza realmente en su recreación de un Hitler alejado totalmente de la caricatura y del estereotipo y volcado por el contrario en hacer comprensibles sus reacciones más íntimas, que lejos de exculparle le condenan doblemente.
Méndez-Leite @@@@: Tiene razón Wim Wenders cuando critica la falta de punto de vista de esta película, pero no se le puede negar la capacidad para reproducir el caos personal, ideológico e histórico que se produjo en esos últimos momentos del nacionalsocialismo.
Carlos F. Heredero: La propuesta está muy lejos de la vocación antinaturalista, metafórica y esperpéntica filmada por Alexander Sokurov en Moloch (1999), cuyo relato transcurre en el mismo escenario y durante los mismos días. Su registro voluntariamente prosaico, su firme determinación de mirar de frente al personaje y a sus comparsas está, igualmente, en las antípodas de los registros operísticos propios de Visconti (La caída de los dioses, 1969), pero el resultado tiene la virtud de enfrentar al espectador con criaturas humanas capaces de provocar, simultáneamente, horror y perplejidad.
José Arce Bernal: El hundimiento está repleta de momentos espeluznantes, ahondando como nunca hasta ahora en una herida que poco a poco va cicatrizando en la sociedad alemana, lo que no ha evitado que el estreno se haya visto rodeado de amplias polémicas. Aunque hay que reconocer al productor, Bernd Eichinger, el valor demostrado a la hora de respaldar el proyecto. Porque, como recuerda Ian Kershaw, biógrafo de Hitler, "hacer una película es parte del continuo, gradual e inexorable proceso de ver su época como historia, es más, de sentirla como historia".
Emilia Rojas: La película, en todo caso, no tiene carácter ideológico. Su productor, Bernd Eichinger, dice haberse esmerado en plantear preguntas sobre lo ocurrido en el ocaso del régimen nazi, pero no en responderlas. "Creo que si el film tiene un valor, éste radica en que no valora", indica Eichinger, quien tiene en su haber la experiencia de grandes producciones como "El nombre de la rosa" y "La casa de los espíritus".
Eva Usi: No debemos esconder nada, ni meter nada en cajones bajo etiquetas de “Monstruo”, “Crueldad” y “Horror”. Si nos tomamos en serio como un pueblo de una vieja cultura, entonces tenemos que ir a fondo, tenemos que sacar a la luz el trasfondo y hacernos otras preguntas; tenemos que pensar con matices y no de una manera tan cuadrada. Y por cierto que la película no puede dar respuestas ni aclarar nada, hay 35.000 libros sobre la figura de Adolfo Hitler y ninguno de ellos puede dar una idea de cómo era este hombre en realidad.
Peter Furtado (History Today): Downfall – the first fictional film to attempt a portrayal of the personal side of the Fuhrer and his entourage – has been hugely successful in Germany, yet is criticised for humanising a monster, for making it possible to sympathise with him and his predicament. This seems to me far-fetched. It certainly has brilliantly brought him and those around him to life. Ian Kershaw has said that he cannot imagine that Bruno Ganz’s performance could be bettered as the shuffling, twitching, sometimes deeply solemn, insightful and sorrowful, sometimes incoherent, manic and unrepentant man who was determined to see the game through to the end, determined to fling accusations of disloyalty at those around him, determined to bring destruction down on the German people as his own world collapsed around him. No one, surely, could feel sympathy for a man so evidently reaping what he had sown.

Rotten Tomatoes: 83%

Constantine

Francis Lawrence, 2005
Reparto: Keanu Reeves (John Constantine), Rachel Weisz (Angela Dodson/Isabel Dodson), Shia LaBeouf (Chas), Tilda Swinton (Gabriel), Djimon Hounsou (Medianoche), Max Baker (Beeman), Pruitt Taylor Vince (Padre Hennessy), Gavin Rossdale (Balthazar), Peter Stormare (Satán), Jesse Ramirez (Carroñero), Jose Zuniga (Weiss).
Guión: Kevin Brodbin y Frank Capello; basado en un argumento de Kevin Brodbin, sobre los personajes de las novelas gráficas "Hellblazer" de DC Comics/Vertigo.
*

Neo convertido en exorcista

Un mexicano encuentra enterrada la punta de lanza que mató a Cristo y se ve arrastrado en una dirección que no conocemos. Un coche se estrella contra él y no le hace daño. Cruza Río Grande y llega a Los Angeles. He leído que el asunto es una metáfora de la inmigración, a mí en cambio me pareció una plasmación del tedio en toda regla.

Keanu Reeves parece poco renuente a quedarse encasillado en el papel de héroe de acción, redentor de la humanidad que ya hizo en Matrix. Se dedica a exorcizar demonios con todo lujo de escaramuzas y batallas para gusto de los amantes de las CGI. Pero lo que va a matarle es la nicotina, según revelan sus radiografías. El arcángel Gabriel está esperándole, y el se toma algo de tiempo para resolver un asunto. Constantine es un hombre que está a mitad entre el otro mundo y el nuestro. Él puede ver a los ángeles y a los demonios luchando por nuestras almas.

La regla es que la lucha debe ser limpia. Ninguna de las fuerzas debe romper el equilibrio. En realidad esa es una de las reglas; aunque a los productores no parecía agotárseles el presupuesto, a los guionistas se les acabaron las ideas ingeniosas después de lo de la nicotina. La película avanza a costa de inventar más y más reglas, y de darles tiempo a los secundarios para morirse de alguna manera insólita.

Los creadores no han conseguido burlarse de las supersticiones católicas, ni tampoco darles sentido para ajustar en ellas una intriga interesante. El final parece rodado por el productor a golpe de manual para salvar la historia. Quizá Hollywood debería olvidarse de los católicos, o dejárnoslo a los latinos. Ellos ya lo hacen de sobra bien con sus brujas y sus temores puritanos.

Francisco Marinero 0: Los superhéroes de cómic se distinguen por sus pintorescos poderes, resultado de alguna experiencia traumática y la de Constantine fue un suicidio sólo a medias frustrado: aunque lo reanimaron, permaneció unos minutos en el Infierno por su pecado y ahora tiene la facultad de volver a él fugazmente antes de regresar allí definitivamente porque, fumador sin remedio, el cáncer le invade sin remedio.

Dos pretextos para que los creadores de efectos especiales ofrezcan un espectáculo que ofendería a Dante y a El Bosco por elemental.

Cinéfago: la primera idea que se te cruza por la cabeza es ¿Qué hago aquí sentado, viendo esto? , la segunda puede ser ¿Qué hago aquí dormido?
Aaron Hillis ***: It isn't until the second act, when Constantine teams up with an incredulous cop (Rachel Weisz) that introductions to this world's "rules" are spoiled in pithy exposition. "God's a kid with an ant farm, lady," chokes the lung cancer-ridden demonslayer like a monotone Bogart, moments after slaying a squadron of winged imps by igniting a sacred shroud around his arm.
Olly Richards ***: Those familiar with the caustic, mouthy blond Liverpudlian of the Hellblazer comic-book series may be disappointed with this moodier, more laconic Californian version. But to those who couldn’t care less about graphic-novel faithfulness, he’s a terrifically miserable sod. His demon-slaying is merely to facilitate his entry into Heaven and avoid a trip downstairs as punishment for the mortal sin of suicide (from which he was unwillingly resuscitated), and if he should improve the lives of mankind along the way, well, that can’t be helped.
Mr Cranky -2: Angela is a street-smart skeptic initially wary of Constantine's tales of the supernatural, but in no time she's trusting her new creepy occult friend to hold her down in a bathtub full of water to see if she can get a glimpse of hell. Now that's just good police work. Her other contributions include saying things like, "No! I'm going with you!" and forgetting to wear the special necklace that can protect her from being haplessly snatched by demons.
You know the movie's brief discussion of Catholic doctrine is over when Constantine whips out a golden, cross-adorned Tommy gun infused with holy firepower. Granted, this is a more ass-kicking vision of Catholicism than its current real-world incarnation. If the church spent less time emphasizing the wheezy old men pushing collection plates to pay off their pedophilia settlements, and more time emphasizing the golden, demon-slaying Tommy gun, I'd wager that church membership would shoot through the roof.

Rotten Tomatoes: 47% $30m.

Spanglish

James L. Brooks, 2004
Reparto: Adam Sandler (John Clasky), Téa Leoni (Deborah Clasky), Paz Vega (Flor), Cloris Leachman (Evelyn), Ian Hyland (Georgie Clasky), Aimee Garcia, Matt Battaglia, Storm Ascher, Allen Covert, Ricardo Molina (Marido de Flor).
* * * *

Lo agridulce

Spanglish es un ejemplo de comedia con giro que acaba en un drama aceptable. El giro, por fin lo han descubierto, es necesario, porque si empieza con sonrisa y acaba con sonrisa, la historia se queda en una tontuna. En España solemos estropearlo cuando usamos el quiebro para llevar al espectador al melodrama. Un buen giro tiene que ser comedido.

La comedia funciona con el lío lingüístico de Paz Vega que hace de chacha mexicana que no habla inglés en una familia de americanos que no habla español. No sé que habrán hecho en el doblaje, pero les recomiendo que vean la versión subtitulada por una vez en mi vida. Hay algún chiste lingüístico un poco bilingüe. Por ejemplo cuando Adam Sandler trata de mostrar su comprensión a una Paz Vega ofendida y le dice “soy simpático” y ella se ofende más, “sí, muy simpático”. Él quería decir “I’,m sympathetic”, o sea te comprendo. Ella está ofendida porque la esposa de Sandler se ha llevado a su hija a un mercadillo y no le ha pedido permiso. La chacha le da una lección a sus jefes sobre cuales son sus derechos con los hijos de los empleados. Ella no habla inglés así que la niña traduce la bronca con la misma ira de la madre. El padre no habla español, así que la niña traduce las disculpas con la misma humildad. James L. Brooks crea un momento soberbio, digno de las mejores comedias de Lubitsch. El final de la discusión es maravilloso, los dos ceden y crean una línea común.

La discusión les une y la idea del padre sobre la educación de los hijos lo separa de su esposa. Todo eso unido a la imponente figura de Paz Vega desliza la historia hacia la posibilidad del adulterio. Pero John es como el protagonista de “La tentación vive arriba”, o como el de “¿Bailamos?”. La esposa, interpretada por Tea Leoni se parece al protagonista de “Closer”, pero tiene a su dipsómana mama y eso le ahorra meter la pata lo mismo que hizo Jude Law.

Alberto Bermejo **: sufre desde el primer momento los desequilibrios de un guión que dosifica pésimamente sus estupendos ingredientes y acaba concentrándose en la peripecia de los personajes menos interesantes.
Desson Thompson: 'Spanglish': See? Si
JAMES L. BROOKS is a comic jazzman. He wails on sax, throbs on bass and scats like Ella with pitch-perfect mastery. He's never on screen. But you can feel the writer-director's touch behind every note. That's the assured vibe of "Spanglish," his latest work about the burst of fresh air a Mexican housekeeper brings to an affluent Los Angeles home. Above all, the movie's funny and wicked fun.
Peter Debruge ***: Brooks wears his heart on his sleeve. He desperately wants to consider the American dream from an outsider's point of view, and in doing so reveals the boundaries of his own perspective. Here is a movie that patronizes the working class by romanticizing their struggle, doling out social commentary with great big belly laughs in between, like The Bicycle Thief as directed by Cameron Crowe.
Will audiences understand Brooks' message that this world of gated homes, summer shares, and private schools doesn't necessarily bring happiness, or will they remain fixated on the enviable lifestyle the Claskys lead? To make his point, Brooks juxtaposes two women, one an unsatisfied housewife (Téa Leoni) who has it all — a house in Beverly Hills, two beautiful children, and a successful, attentive husband (Sandler) — and the other an immigrant (Paz Vega) who cherishes the modest life she's made for herself in America.
Ian Freer ****: Yet the show belongs to Spanish actress Paz Vega, who finds quiet dignity in a mother trying to protect her daughter from the lure of LA. Flor’s burgeoning relationship with John is sweet and sexy, all furtive glances and late-night conversations, and Vega shines in a touching, terrific Brooksian set-piece, in which a heated argument erupts between John and Flor, requiring her daughter to rapidly translate back and forth, unconsciously mimicking the gestures and attitudes of each adult.
It’s not all plain sailing, though. While terrific with words, Brooks has never been big on images, the visual sense feeling obvious and monotone.

Rotten Tomatoes: 52% $42m.

Entre copas

Alexander Payne, 2005
Reparto: Paul Giamatti (Miles), Thomas Haden Church (Jack), Sandra Oh (Stephanie), Virginia Madsen (Maya), Marylouise Burke (Madre de Miles), Jessica Hecht (Victoria), Missy Doty (Cammi), Alysia Reiner (Christine), Shaké Toukhmanian (Sra. Erganian), Duke Moosekian (Mike Erganian).
Guión: Alexander Payne y Jim Taylor; basado en la novela de Rex Pickett.
* * *

Antihéroes

Hay películas que me da miedo comentar. Me ocurre cuando vienen llenas de estrellas y todos los entendidos del mundo se han puesto de acuerdo. También me ocurre con los clásicos que vienen ya con la etiqueta de magistrales y no se te ocurra decir otra cosa. Me ocurre, en fin, con todas las vacas sagradas. A nadie le importa si te gustan o no, a nadie le importa lo que ves. Son películas que te ningunean un poco, porque lo único que esperan leer tus lectores es cuantas genuflexiones hiciste delante de ellas, o cuantas ampollas te salieron en las manos de aplaudir. Entre copas llega por fin a nuestras pantallas, y viene con tanto laurel que yo no sé si es tan sublime, o es que me ha asutado o que.

Al cine le ocurre lo que al vino. Si bebes de vez en cuando puedes llegar a distinguir un vino de tetrabrick de un Marques de Cáceres. Pero esa gente que paga una millonada por una botella de Vega Sicilia siempre me parecerán unos locos. Comprendo mejor al señor aquel que lo mezcló con casera. El protagonista de “entre copas”, Milles, es un entendido en vinos que entendería perfectamente el precio de una de esas botellas. Un experto que es capaz de devolver una botella al camarero porque una de las uvas está pisada con un calcetín de nylon.

Su amigo, Jack, es un hombre despreocupado. Un hombre feliz que va a casarse en una semana y le acompaña en su ruta de degustación vinícola, pero en realidad, lo que sueña es echar una cana al aire. El contraste entre esas dos formas de entender el mundo, la vida, o el amor, hacen la película, más que la ruta, por eso en vez de road-movie, parece una buddy movie.

El vino favorito de Miles es el Pinot. Su uva es delicada y vulnerable, y cuando le cuenta esto a la chica que le gusta, sabemos que está hablando de si mismo. Miles es un tipo débil, no puede superar haber perdido a su esposa, y no puede lucir ninguna estrella en la vida, el libro que su amigo elogia sin cesar porque no ha leído, no va a ser publicado. Miles es un antihéroe de verdad. Supongo que por eso se dedica a la enseñanza, vamos, supongo.

Francisco Marinero ****: Personajes comunes y corrientes con un problema común y corriente a su edad, con el que es fácil identificarse: la pérdida de la esperanza de cumplir sus antiguas ilusiones. Los diálogos son triviales, nunca quejumbrosos, y las situaciones, perfectamente verosímiles, y el mérito es introducir en su admirable guión reacciones de humor absurdo, igualmente discretas y por eso mismo de mayor eficacia cómica.
Richard Corliss: One other thing: Sideways is by far the year's best American movie. It's vigorous, gracious, tenderly attentive to Miles' and Jack's immense flaws — a paean to the durability of life's losers, which is to say most of us. This sunny, funny trip of a film would stamp a 2-hr. smile even on Miles' forlorn face.
Jack and Miles are ideal opposites. Miles is nerdy and needy, analyzing every sip of wine, fretting over every impulse, convinced that he's too insignificant a writer even to kill himself: "Hemingway, Sexton, Plath, Woolf — you can't commit suicide until you're published."
Mr Cranky (-2): I'm convinced that film critics are all agog over Alexander Payne's movies because his characters are so pathetic that even if you're a newspaper slag working 60 hours a week at some 5,000 circulation community rag and your life is effectively going nowhere, you can feel like an accomplished overachiever by comparison.
Ebert ****: What happens between them all is the stuff of the movie, and must not be revealed here, except to observe that Giamatti and Madsen have a scene that involves some of the gentlest and most heartbreaking dialogue I've heard in a long time. They're talking about wine. He describes for her the qualities of the pinot noir grape that most attract him, and as he mentions its thin skin, its vulnerability, its dislike for being too hot or cold, too wet or dry, she realizes he is describing himself, and that is when she falls in love with him. Women can actually love us for ourselves, bless their hearts, even when we can't love ourselves. She waits until he is finished, and then responds with words so simple and true they will win her an Oscar nomination, if there is justice in the world.

Rotten Tomatoes: 96% $53m.

1. A la busca del tesoro

Jordi Balló y Xavier Perez publicaron en 1997 "La semilla inmortal", un libro sorprendente que pretende explicar todo el cine que se hace hoy dentro de las fórmulas de la literatura clásica que se escribió antaño. Una película se puede encerar en una fórmula, pero eso no limita la imaginación, sino todo lo contrario, ofrece un sustrato que el cine renueva sin cesar.

Me he propuesto glosar alguna de las 21 fórmulas del libro con los ejemplos de esta bitácora, así que empezaré por la primera, la busca del tesoro.

Las aventuras con una busca de tesoro se inspiran en "Jason y los Argonautas". El héroe clásico buscaba el vellocino de oro para poder coronarse rey. Para conseguirlo tenía a Medea, que venía a ser algo así como una ayudante en la sombra.

La fórmula consiste, generalmente, en buscar un mapa, o un tesoro perdido. Hitchcock anotó que el objeto deseado era indiferente mientras mantuviera la acción y el clima, y por eso acuño el término, quizá peyorativo, de McGuffin.

Todas las películas de espías, con James Bond a la cabeza, pertenecen a este grupo. También las de detectives, como las de Marlowe, y las de arqueólogos, como Indiana Jones.

La búsqueda; Sinbad: La leyenda de los siete mares, Hombres de Negro, El mito de Bourne, El oro de Moscú (la peor y más descarada), El día de la Bestia, El alquimista impaciente, Buscando a Nemo, Muere otro día.

Oscars 2005. Reader's preditition

Mejor película: The Aviator (52%)
Mejor Director: Martin Scorsese (48%)
Actor principal: Jamie Foxx (65%)
Actriz principal: Hilary Swank (62%)
Actor secundario: Morgan Freeman (48%)
Actriz secundaria: Cate Blanchett (46%)

Se trata de los resultados de una página del New York Times para quelos lectores hagamos predicciones. De paso copio la mías.

Best Picture: Million Dollar Baby (27%)
Best Director: Clint Eastwood (43%)
Actor in a Leading Role: Leonardo DiCaprio (14%)
Actress in a Leading Role: Annette Bening (19%)
Actor in a Supporting Role: Jamie Foxx (11%)
Actress in a Supporting Role: Natalie Portman (17%)

Descubriendo Nunca Jamás

Marc Forster, 2004
Reparto: Johnny Depp (Sir J.M. Barrie), Kate Winslet (Sylvia Llewelyn Davies), Julie Christie (Emma du Maurier), Radha Mitchell (Mary Ansell Barrie), Dustin Hoffman (Charles Frohman), Eileen Essell (Sra. Snow), Freddie Highmore (Peter Llewelyn Davies), Joe Prospero (Jack Llewelyn Davies), Nicholas Roud (George Llewelyn Davies), Luke Spill (Michael Llewelyn Davies), Ian Hart (Sir Arthur Conan Doyle), Kelly Macdonald (Peter Pan).
Guión: David Magee; basado en la obra "The man who was Peter Pan" de Allan Knee.
* *

Evasión

Debe ser que me estoy haciendo viejo, porque salgo de “Descubriendo nunca jamás” con la sensación de haberla visto mil veces. Aún así me gustaría oír otra opinión, ¿a ustedes les parece novedoso el mensaje: “la persona que tu amas no ha muerto porque sigue viva en tu corazón”?

James M. Barrie es un autor teatral escoces que tiene poco éxito con sus obras. Hasta que conoce a la familia Lewelyn Davies, compuesta de una madre viuda y sus cuatro hijos pequeños. Barrie se siente inspirado con esos chavales y pasa las tardes con ellos, jugando, fantaseando, creando, a la misma vez que descuidando su propio hogar. Circula los rumores por la buena sociedad de Edimburgo que le acusan de tendencias pederastas. Por suerte la película no aborda el tema, ni trata de exonerarlo, lo cual es de agradecer porque esa relación con los niños huele a Michael Jackson que da gusto.

De la amistad entre el autor y los niños nace una obra famosa, Peter Pan. Y quizá lo más estimulante de la película sea asistir al que pudo ser el proceso de creación de la obra, el verano que inspiró las escenas. Sobre todo para los que ya son aficionados al libro de Barrie.

Menos estimulante es la defensa enardecida que Barrie y la película hacen de la evasión. Igual que en Big fish, ahora son los padres los que quieren soñar y los hijos los que quieren vivir en la realidad. La verdad es que James Barrie tiene dos enemigos que se oponen a su mundo, aparte de toda una tropa de espectadores como yo, claro. La abuela, porque prefiere un hombre menos maravilloso y más comprometido, y uno de los niños, Peter, porque quiere superar la pérdida de su padre negándose a soñar. Este inspirará el personaje de Peter Pan.

Su esposa también se niega a entrar en su mundo. Para explicarlo el director usa un recurso imaginativo (no olvidemos que está con él). Los dos esposos se van a la cama y abren la puerta de dos habitaciones separadas, la de ella da a una habitación, la de Barrie se abre a un mundo de fantasía, por el quicio vemos un cielo de magia.

El director ha puesto su esmero en demostrar que Barrie no era un mero inmaduro que se evade de los problemas para no enfrentarse a ellos. Pero lo cierto es que lo único que Barrie nos propone es evasión.

Spaulding: ¿por qué será que a los miembros de la Academia de Hollywood les pirra nominar (y premiar) películas biográficas, por muy falsas que éstas sean? Este año, sin ir más lejos, tres de ellas están en la posible lista de ganadoras.
Roberto Piorno @@@@: Marc Forster desempolva el mapa del imaginario J.M. Barrie trazando las líneas maestras de su inspiración, reconstruyendo, con licencias poéticas, el crisol de influencias, la impulsividad espontánea que duerme detrás de una de las mitologías contemporáneas más influyentes y psicológicamente complejas de la historia universal de la literatura.
Begoña del Teso: Está bien la película. Pero como ya cumplimos los 13 años, edad en la que, según Barrie y Peter, a uno le empiezan a pasar cosas sin importancia porque ya no cree en las hadas, resulta que, a ratos, nos parece blandita, mentirosa, suavita, tramposuela, encorsetada, liviana. Y tememos que pensaríamos igual si sólo tuviésemos 12 años y supiésemos que las hadas existen.
Sergi Sánchez ***: A Peter Pan le ocurre algo muy parecido a lo que le ocurre a Alicia en el País de las Maravillas: su complejo y rico significado simbólico, asociado al doloroso ritual de paso de la niñez a la edad adulta, ha logrado reducir a cenizas los prejuicios de lectores y críticos. Pero detrás de una obra revolucionaria siempre hay un trauma, una carencia o una obsesión, a menudo motivos suficientemente oscuros para que la historia de su génesis sea jugosa materia prima para los que creen que vida y arte nacen de una misma célula.

Rotten Tomatoes: 84% $43m.

Los padres de él

“Meet the Fockers”
Jay Roach, 2004
Interpretación: Robert De Niro (Jack Byrnes), Ben Stiller (Greg Focker), Dustin Hoffman (Bernie Focker), Barbra Streisand (Roz Focker), Blythe Danner (Dina Byrnes), Teri Polo (Pam Byrnes), Owen Wilson (Kevin Rawley), Alanna Ubach (Isabel), Tim Blake Nelson (Oficial LeFlore), Shelley Berman (Juez Ira), Max Hoffman (Woody Focker).
Guión: Jim Herzfeld y John Hamburg; basado en un argumento de Jim Herzfeld y Marc Hyman; basado a su vez en los personajes creados por Greg Glienna y Mary Ruth Clarke.
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Hasta en las mejores familias

Cada familia es un tesoro irrepetible de extravagancias. Y las extravagancias, con el tiempo se convierten en mandamientos de la ley de dios, por eso entrar en una familia es como entrar en una secta. Eso ya lo averiguó Greg en la primera parte. Los Byrnes no le aceptaban porque eran una familia de triunfadores y Greg era un pobre enfermero, pero él les demostró que hay algo por encima del dinero que ellos no tenían.

La segunda parte no tiene tanta miga, porque ocurre en la casa de los padres de él, los Focker que han traducido por Follen, para mantener el juego de palabras Focker/Fucker. Los Follen son una familia escapada de una comuna hippie de los años sesenta. La madre (Barbara Streisand) es profesora de sexualidad, y el padre (Dustin Hoffman) es amo de casa. Son una familia de esas que lo cuenta todo en voz alta como si estuviera en una misa mormona, empezando por las intimidades sexuales. Han educado a su hijo contra la competitividad, y le tienen en un altar por haber llegado el noveno en una competición infantil, guardan su prepucio (el mejor chiste de la película) y cuentan a todo el mundo como fue su iniciación sexual. También son amantes de la naturaleza, de la paz y todo lo demás.

Lo malo de esta segunda parte es que aunque nos meten dentro de la estrafalaria familia Follen, no se ceban con ella, por la sencilla razón de que las extravagancias de los follen son las consignas universalmente aceptadas hoy día, el haz el amor y no la guerra, estar a gusto con uno mismo. Lo malo de esta segunda parte es que los Follen vuelven a tener la razón, y eso en cine no es tan recomendable. En la vida sí, claro, no importa lo mucho que uno tenga la razón, pero en el cine no vale volver a cargar las tintas contra los republicanos intolerantes, la CIA, y el consevadurismo. Ahora tocaba dar una lección a los Follen, no otra a los Byrne, y menos de tipo sexual.

El perro y el gato, ese gato que ha aprendido a tirar de la cadena y ese perro que está tan salido como sus amos, son lo más gracioso de la película, así que los cachés millonarios de esos cuatro famosos son quizá un despilfarro.

Stipey: Jay Roach el director y creador de la saga "Austin Powers" deja los chistes escatológicos a un lado para hacer una película de "humor maduro" ¿Y como se come esto? Pues demostrando en pantalla que la mayoría de las situaciones que ocurren en la misma le han ocurrido a cualquiera de los presentes en la sala.
Cinéfago: En esta ocasión la historia gira en torno a la visita que hacen los novios y los padres de ella a los padres de Greg. Éste está muy nervioso ya que teme que sus padres, muy liberarles, no sean del agrado de los padres de la novia, de carácter muy conservador.
Francisco Marinero *: De Niro, productor, no podía desaprovechar la ocasión de multiplicar su fortuna con la continuación de 'Los padres de ella', donde un hombre profesionalmente mediocre, judío, pobre, liberal y tímido afrontaba su más amargo examen de selectividad: un fin de semana en casa del padre de su novia, un psicólogo de la CIA, cristiano, rico, conservador y autoritario.
Lo natural sería invertir la situación y que la novia pasara el mal trago de un fin de semana en casa de sus futuros suegros, pero ella daba poco juego y el director y los guionistas han optado por hacer sufrir al novio por partida doble: el novio (Ben Stiller) vuelve a meter la pata sistemáticamente ante la severa mirada del padre de la novia (De Niro) mientras intenta disimular que sus padres son aún más inconvenientes que él mismo.
Mr Cranky (-4): In a film that sports De Niro, Hoffman, Streisand, and Blythe Danner, it's kind of hard to believe director Jay Roach so easily reverts to such tried and true comedy as "dog humping the leg" jokes, but that's what happens with a concept that should never have made it past the planning stages. Unfortunately, that's what audiences get these days when they reward a surprise film with decent box-office as they did with "Meet the Parents": sequels with about as much entertainment value as poisoned food.
One has to wonder if the filmmakers even revisited the first movie because De Niro's character seems like an entirely different guy. Suddenly he's gone from the potential father-in-law with a genuine scary streak, to the semi-harmless old man whose gruffness probably comes from gas and hemorrhoids. His attitude toward Greg is one of mild amusement now as opposed to the genuine dislike he displayed in the first film.
Ebert **:When the MPAA objected to the title, by the way, the filmmakers produced several real people who said they were Fockers, and proud of it.
The cat is not only toilet trained but knows how to flush, leading to another septic joke.
some wordplay involving the Byrnes family Circle of Trust and who is in it, who is outside it, and whose circle it is. Streisand and Hoffman create characters who are, under the circumstances, not only likable but actually sort of believable. Yet even if you loved "Meet the Parents," you will only sorta kinda like "Meet the Fockers."

Rotten Tomatoes: 40% $265m.

Million dollar baby

Clint Eastwood, 2004
Reparto: Clint Eastwood (Frankie Dunn), Hilary Swank (Maggie), Morgan Freeman (Eddie Scrap-Iron Dupris), Jay Baruchel (Danger Barch), Mike Colter (Big Willie Little), Lucia Rijker (Billie), Brian O'Byrne (Padre Horvak), Anthony Mackie (Shawrelle Berry), Margo Martindale (Earline Fitzgerald), Riki Lindhome (Mardell), Michael Peña (Omar), Bruce McVittie (Mickey Mack).
Guión: Paul Haggis; basado en relatos recogidos en "Rope Burns" de F.X. Toole.
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Una gran obra

Million dollar baby consiste en un proceso. Un viejo boxeador derrotado (Morgan Freeman) nos cuenta la historia de su mejor amigo, un manager de boxeo, para que lo juzguemos nosotros con nuestros ojos. En realidad, para que lo juzgue otra persona, que es a quien se lo cuenta, pero nosotros somos testigos, y por tanto jueces. Ese detalle es algo que no me gusta. Una gran obra, y “Million dollar baby” es una gran obra donde las haya, no debería servir para juzgar a nadie. Una gran obra no debería servir absolutamente para nada.

Frankie es el manager de Big Willie Little. Frankie no quiere correr riesgos que pongan en peligro a su boxeador, por eso no le deja enfrentarse al título. Big Willie Little le deja por otro manager. Una joven entra en su gimnasio pidiéndole una oportunidad para entrenarla. Frankie se niega mucho tiempo, pero al final acepta el reto. Ella le enseña que vale la pena correr riesgos aunque uno pierda.

Frankie reza todas las noches y va a misa todas las mañanas. Quiere discutir de teología, la trinidad, la inmaculada concepción con su sacerdote católico que no quiere oír hablar de esos temas, pero que, sin embargo, le pregunta por su hija. ¿Por qué no le escribe para reconciliarse? Un hombre que va todos los días a misa es porque se siente culpable. Y es así. Frankie guarda una a una las cartas a su hija que le son devueltas sin leer.

Frankie es un hombre sin hija. Y Maggie (Hillary Swank) es una hija sin un padre. Cuando ella reune dinero, que no gasta jamás, compra una casa a su madre. La madre es un engendro egoísta incapaz de decir gracias. De vuelta del viaje los dos protagonistas hablan. La emoción se derrama a borbotones por los claroscuros de la pantalla. Ella cuenta la historia de un perro que su padre tuvo que sacrificar.

Enrique Colmena *****: probablemente así se entienda mejor la excelente impresión que me ha causado este espléndido (y van ya tantos) nuevo filme de Clint Eastwood, una historia de redención, sí, la de un hombre castigado por su hija al silencio más atroz, pero sobre todo una historia de amor: de amor blanco, añado, tan casto y puro que podríamos hablar quizá más de amor paterno-filial que de amor entre hombre y mujer.
Esteve Riambau *****: La confrontación con Mar adentro resulta inevitable, pero, a diferencia del film de Amenábar, el de Eastwood la afronta sin muletas ni coartadas poéticas.
Million Dollar Baby, como Mystic River, solo se puede mirar de frente: sin lágrimas en los ojos pero con el nudo en la garganta y sabiendo que cada nuevo golpe puede tumbar al espectador más curtido. Si se habla de la vida y de la muerte, en los términos de responsabilidad en los que lo hace Eastwood, no valen titubeos.
Mr Cranky (-2): I think my theater's projector was underpowered. How else does one explain all the shadowy, nearly unintelligible shots director Clint Eastwood tries to pass off as art?
The message of this movie is that it's more important to live a short life chasing your dreams than to live a life with no dreams at all. The reason I know this is the movie's message is that it couldn't have been clubbed into me much harder, which is why I think the film is about boxing.
Speaking of beating, you'll also notice very early on that boxing manager Frankie Dunn (Eastwood) is estranged from his own daughter and that Maggie has no father. This, of course, provides the perfect grounds for a really, really close relationship between the two
Frankie has risk/reward issues. Maggie will teach him the importance of chasing dreams.
Ebert ****: Even as the film approaches the deep emotion of its final scenes, he doesn't go for easy sentiment, but regards these people, level-eyed, as they do what they have to do.
Some directors lose focus as they grow older. Others gain it, learning how to tell a story that contains everything it needs and absolutely nothing else. "Million Dollar Baby" is Eastwood's 25th film as a director, and his best. Yes, "Mystic River" is a great film, but this one finds the simplicity and directness of classical storytelling; it is the kind of movie where you sit very quietly in the theater and are drawn deeply into lives that you care very much about.
"Million Dollar Baby" is about a woman determined to make something of herself, and a man who doesn't want to do anything for this woman, and will finally do everything.

Rotten Tomatoes 93% $22m.

La fierecilla domada

Antonio Román, 1956
Reparto: Alberto Closas (Don Beltrán), Carmen Sevilla (Catalina), Manolo Gómez Bur (Manolo, pretendiente de la fierecilla), Ángel Álvarez, Concha Velasco, Josefina Serratosa, Manuel Requena.
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La mujer sumisa

Don Beltrán es un mujeriego feliz y rico que hace sus negocios en la España del siglo de oro. En uno de sus viajes conoce a Catalina, una mujer de temperamento que se enfrenta con él. La hermana de Catalina sólo puede casarse después de ésta, y no ve llegar el día, porque Catalina hace salir corriendo a todos los pretendientes, que, generalmente acaban en el pozo del patio. La hermana ofrece dinero a Beltrán para que se case con ella, y Beltrán acepta el reto, pero no el dinero. Después de hacerse sendas jugarretas (ella lo encierra en un calabozo, y él, después de escaparse, aparece en la boda lleno de harapos y rodeado de toda la mendigalla de la ciudad) los dos pronuncian el sí quiero. Él con desprecio, ella por terquedad, por no darle el gusto de decir no.

Parten para casa del marido y en el camino Beltrán sigue tratando de apaciguar la rebeldía de su esposa. Le niega la comida, y cuando ella se va por su lado él la deja meterse en líos. Ella entra en un mesón, y varios rufianes la acosan, el marido no acude hasta que ella pide auxilio. Una vez en casa de don Beltrán, este sigue intentando doblegarla. No le deja probar el asado por no ser digno de ella, ni la almohada, contándole la historia de su familia. Cuando parece que ella cede él le anuncia que va a devolverla a su padre, en una escena que parece el final de "Lo que el viento se llevó". Ella se queja, si hubiera recibido suficiente amor, no se hubiera rebelado. En el camino él la pone a prueba sin cesar, la obliga a darle la razón, a fiarse de su marido, y no de sus ojos.

La película es un ejemplo de mensaje envejecido, de moraleja políticamente incorrecta. Don Beltrán sería el malo de “Te doy mis ojos”. ¿Deja eso sin valor la película? Sí, si una película sólo fuera un medio para transmitir un mensaje, cosa que le ocurre al mal cine: que es mero vehículo de una consigna. Pero en “La fierecilla domada” hay otros planos. A Antonio Román se le escapan detalles de hombre irónico, del sentimental, del barroco. Carmen Sevilla tiene tiempo de lucir su frescura riéndose sin cesar de la hombría de don Beltrán.

El propio don Beltrán contradice su discurso. Si tan hermosa es la sumisión ¿porqué sedujó a todas y se casó con la rebelde?