La terminal

Steven Spielberg, 2004
Reparto: Tom Hanks (Viktor Navorski), Catherine Zeta-Jones (Amelia Warren), Stanley Tucci (Frank Dixon), Chi McBride (Joe Mulroy), Diego Luna (Enrique Cruz), Barry "Shabaka" Henley (Ray Thurman), Kumar Pallana (Gupta Rajan), Zoë Saldana (Dolores Torres), Eddie Jones (Salchak), Michael Nouri (Max), Jude Ciccolella (Karl).
Guión: Sacha Gervasi y Jeff Nathanson; basado en un argumento de Andrew Niccol y Sacha Gervasi.
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A un inmigrante no le dejan entrar en un país donde sólo viven inmigrantes

Un hombre encerrado en una terminal no puede salir del aeropuerto durante meses por cuestiones de papeleo. Si el argumento cae en manos de Kafka o Buñuel nos hubieran hablado, otra vez, del sinsentido de la existencia humana. Spielberg, nos habla, otra vez, del hombre abandonado a su suerte que es capaz de salir adelante por sí mismo, igual que los primeros inmigrantes que llegaron a América en el Mayflower.

Navorski es súbdito de una república balcánica que acaba de desaparecer por un golpe de estado, tiene dos virtudes, es un manitas, un buen carpintero y fontanero; y también es paciente. La cuestión que interesó a Spielberg hasta el punto de construir una terminal reluciente en estudio para contarnos esta historia fue: ¿para qué sirven esas virtudes? Navorski se enfrenta con su corazón a un chupatintas de Inmigración que ve la letra de la ley y no el espíritu; se enfrenta a la inclemencia de una terminal igual que los náufragos de Defoe y Zemeckis; se enfrenta a la hipocresía de la ley negándose a pedir un asilo político que no necesita; hace de celestino entre un transportista de la estación y la oficial de inmigración que estampa cada día en su petición de entrada un sello que dice “no válido”; se enfrenta al amor armado de la paciencia de job. Y su secreto está en una lata de cacahuetes.

Ebert ***1/5: "The Terminal" is like a sunny Kakfa story, in which it is the citizen who persecutes the bureaucracy.
Mr Cranky: It's kind of like the priest who helps you find a path to the Lord while running his hand up your leg: There's definitely a prize at the end, but something doesn't feel quite right.
Viktor is basically a human E.T., and we're supposed to laugh as he seems all too happy to be stuck in the airport doing funny stuff, like make cracker sandwiches with ketchup and mustard and make small talk with an INS agent (Zoe Saldana) so that he can pass on information to her love-smitten would-be suitor Enrique Cruz (Diego Luna) in exchange for dinner. In other words: "Do tricks for food."
Críticas de cine en una sola frase: Una zorra azafata acosa sexualmente a Forrest Gump, que malvive como okupa en un aeropuerto.

Rotten Tomatoes = 63%. $77m.

Chicas malas

Mark Waters, 2004
Reparto: Lindsay Lohan (Cady Heron), Rachel McAdams (Regina George), Tina Fey (Sra. Norbury), Tim Meadows (Sr. Duvall), Amy Poehler (Sra. George), Ana Gasteyer (Betsy Heron), Lacey Chabert (Gretchen Weiners), Lizzy Caplan (Janis Ian), Daniel Franzese (Damian), Neil Flynn (Chip Heron), Jonathan Bennett (Aaron).
Guión: Tina Fey; basado en el libro "Queen bees and wannabes" de Rosalind Wiseman.
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Difamación y prejuicio

Hacer cine de adolescentes es un chollo porque cada pocos años te cambian el público y puedes volver a largar la misma historia sin que nadie se queje, siempre que actualices las canciones y alguna muletilla, y te burles de alguna película supuestamente progre de la generación anterior. Es lo que hace todo el mundo, sin embargo, en “Chicas malas” tengo la sensación de que los creadores quieren superar un listón.

El drama de los alumnos de este colegio estadounidense me alarmó más que el de los alumnos de Beslam. Un álbum lleno de calumnias es descubierto y la comunidad escolar se sume en el caos y el desconcierto. No debemos tomar ese álbum como un tema baladí, porque apunta a lo más vulnerable de la sociedad americana: su narcisismo.

Lindsay Lohan y también las protagonistas de Jane Austen se empeñan en creer que el galán de turno les pide cuentas por su mal comportamiento, en vez de asumir la realidad, o sea, que los galanes tienen otras motivaciones en la vida más importantes que la ética, como puede ser, por ejemplo, la cosmética.

Lo mejor, sin duda es el sociograma que la recién llegada Cady, que se pronuncia “queidi”, hace del instituto a la hora del almuerzo. En una mesa se sientan los don nadies, en otra las quiero y no puedo, en otra las empollonas autistas, en otra los chicos guapos. El centro de la historia es el grupo de las “divinas” (the Plastics) que son las guapas, y donde dado su físico, Lohan es invitada nada más llegar. Ella acepta, pero en realidad se siente mejor con los niños raros, los gays, así que hace un doble juego. La moraleja, como siempre, no vale mucho; viene a decir “no calumiarás” o algo por el estilo, pero el verdadero error de esta niña mona es que, ya que tiene tan claro quien es quien en su comunidad, debería haber escogido un solo partido.

Alberto Bermejo *: Exótica a priori, por haber vivido su niñez en África debido a la profesión de sus padres, la adolescente que protagoniza este subproducto, digno de unas terceras rebajas en unos grandes almacenes, se somete, entre curiosona y distante, a las delirantes reglas de juego de un instituto de secundaria norteamericano.
Ebert ***: Lohan has a quiet self-confidence that prevents her from getting shrill and hyper like so many teenage stars; we believe her when she says that because of her years in Africa, "I had never lived in a world where adults didn't trust me." She never allows the character to tilt into caricature, and for that matter even the Plastics seem real, within their definitions of themselves, and not like the witch-harridans of some teenage movies.

Rotten Tomatoes = 87% $85m.

Mar adentro

Alejandro Amenábar, 2004
Reparto: Javier Bardem (Ramón Sampedro), Belén Rueda (Julia), Lola Dueñas (Rosa), Mabel Rivera (Manuela), Celso Bugallo (José), Clara Segura (Gené), Joan Dalmau (Joaquín), Alberto Jiménez (Germán), Tamar Novas (Javi), Francesc Garrido (Marc).
Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.
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Un clásico

Juan Rulfo decía que en el fondo no existen más que tres temas básicos: el amor, la vida y la muerte; ya se han escrito todos los argumentos posibles, y sólo cabe la originalidad mezclando géneros y dosis. Pero lo cierto es que “Mar adentro” me parece una película profundamente original y que arranca notas que nunca había oído a esos tres temas básicos.

Ramón Sanpedro, tetrapléjico desde 1968 lleva encerrado en su habitación 26 años cuando decide emprender una batalla legal que le permita cumplir su deseo de suicidarse. Julia es la abogada que lleva su caso y sufre también una enfermedad irreversible, por eso lo entiende. Sanpedro acude a la televisión y a la prensa para conseguir el apoyo que necesita en su caso. Así es como conoce a Rosa, una madre soltera, quizá frustrada, que empieza a visitarlo y encuentra en él una razón para vivir.

Todas las personas que rodean a Ramón lo quieren, pero de dos maneras distintas. Su hermano mayor, por ejemplo, no acepta con su terquedad que pueda suicidarse, igual que el sacerdote tetrapléjico que quiere disuadirlo de su empeño y que protagoniza la escena más cómica de la obra. En su casa vive también su cuñada que lo cuida con abnegación, su padre y su sobrino que discuten continuamente. Ellos no entienden que quiera morirse, pero lo aceptan. Esa es la decisión de Ramón.

Rosa es una mujer de pueblo que comienza su relación con Ramón con una bronca. “No me juzgues” le dice él. No tiene derecho a juzgarlo, pero en realidad, lo que Ramón le pide a Rosa es un esfuerzo mucho mayor; un esfuerzo que también le pide al público. Lo que Ramón plantea es que amarlo no significa protegerlo, amarlo significa respetarlo, respetar su voluntad, sea cual sea. Y puesto que él no puede hacerlo, amarlo significa ayudarlo, ayudarlo a morir.

La película arranca las risas del espectador a cada momento porque la situación del protagonista es paradójica. Su deseo de morir, su imposibilidad de amar no son motivo de tragedia, su única tragedia es no poder ponerle fin. “No sabía que fumaras” “a veces, a ver si me mata, pero ni por esas.”

Muchas películas de amor proponen un sacrificio. El amante puede ofrecer incluso su propia vida por salvar al ser amado. “Mar adentro” va más lejos porque nos propone como sacrificio destruir aquello que uno ama.

Estilísticamente Amenábar explora todos los recursos cinematográficos como un niño en una confitería. En “Mar adentro” utiliza magistralmente los tiempos narrativos. Le gusta demorarse en los detalles de un diálogo, de la pequeña habitación de Ramón, en la cocina o en una tarea doméstica. Por otro lado hay momentos en que le gusta subir la música y contar en lo que dura una canción muchas historias que no necesitan texto y que cuentan cosas emotivas de los personajes. Hay secuencias de este estilo distribuidas a lo largo de la película que concentran un grado de emoción inimaginable. Rosa, en su programa de radio dedica una canción a Ramón, y mientras suena vemos su vida, el romance de Gené y a Ramón. La misma mezcla de tiempos cuando escribe una carta a Julia, la abogada, que se recupera en el hospital, o cuando pone a nieto y abuelo a transformar su silla de ruedas. El modo de resolver el episodio de su accidente sólo lo pudo pensar un genio: Ramón explica lo que ocurrió para la grabadora de Julia, pero no escuchamos la voz de Ramón, escuchamos la voz grabada que Julia escucha mas tarde, de noche, en su cuarto, a la vez que se intercalan imágenes del accidente, reflexiones sobre la vida, y es el propio Ramón quien las escucha, porque, desde su cama, inmóvil, puede oír la grabación. Ramón es el protagonista, el narrador, y también el oyente.

Como acaba de estrenarse hay muchos críticos que le niegan el lugar que le corresponde; es algo inevitable que le ocurre a todas las novedades. Pero cuando el tiempo la convierta en un referente y nos cansemos de discutirla ocupará su lugar. Yo les recomiendo que vayan a verla, y que vayan ahora. Siempre podrán presumir de haber ido al estreno de un clásico, en vez de tener que esperar a que otros nos digan que lo fue.

El cronicón cinéfilo | Cinengaños | Teo | Kiyoaki | Isla de Jorganes

Fernando Méndez-Leite @@@@@:El director de ‘Tesis’ se aleja en las apariencias de su filmografía anterior pero conserva su interés por los temas relacionados con los límites entre la vida y la muerte, entre la ensoñación y la vigilia, y mantiene también su concepción cinematográfica basada en la elaboración de una dramaturgia compleja y en la transparencia expresiva de su puesta en escena.
Amenábar ha sembrado de piedras amenazantes su camino y las ha salvado todas. En primer lugar ha huido del ternurismo y del panfleto propagandístico, ha rodeado con astucia las líneas del melodrama recurriendo al humor realista que le sugerían personajes y situaciones y ha creado un microcosmos -el mundo que rodea a ese hombre inmovilizado en su cama- concediendo a cada una de las personas que lo componen un peso dramático similar al del protagonista, sin restar a éste la batuta de esa orquesta de dolores diversos, de puntos de vista propios tanto sobre el drama de Sampedro como de sus respectivos conflictos.
La película está medida al segundo, sus giros aparecen en el momento en que el espectador los reclama inconscientemente, las sensaciones se producen con extraordinaria puntualidad.
Enrique Colmena *****: Es difícil encontrar una pareja romántica tan atípica, pero aún más complicado es encontrar a alguien que, como Amenábar, sepa dar esa relación con tan pocos elementos.
Mirito Torreiro (Fotogramas) ***: El resultado es un film que juega con endiablada habilidad con la emotividad del espectador, a quien a veces empuja al llanto, otras a la sonrisa y hasta al triunfo vicarial sobre un enemigo poderoso (es esa la función de Pou en el film), aunque en ocasiones (el final, sin ir más lejos) descompensado por el cálculo y el deslizamiento hacia la facilidad: el mostrar a Sampedro como un héroe sin fisuras favorece la identificación del público, pero se da de tortas con una dramaturgia rigurosa.
El suicidio en la prensa
El testamento de Ramón
Ramona Maneiro que en la película es Rosa.

Inconscientes

Joaquín Oristrell, 2004
Reparto: Leonor Watling (Alma), Luis Tosar (Salvador), Alex Brendemühl (León), Mercedes Sampietro (Sra. Mingarro), Nuria Prims (Olivia), Ana Rayo (Pastora), Juanjo Puigcorbé (Dr. Mira).
Guión: Joaquín Oristrell, Teresa de Pelegrí y Dominic Harari.
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Empacho de Freud

Dicen los guionistas entendidos, como Linda Seger, que en un buen guión los protagonistas deben conducir el argumento, mientras que los personajes secundarios pueden defender los temas de la historia. Yo sospecho que el naufragio de “inconscientes” viene de ignorar reglas sencillas como esa. En la película, algún marisabidillo que se había leído las obras de Freud de pe a pa se hizo con las riendas y no dejó respirar a nadie. Y no digo que el tema de Freud no tenga su gracia. Al principio de la historia, cuando había un chiste aquí y otra allá, el espectador podía, incluso, agradecer la suerte de estar viendo una película española con humor fino. Pero la alusión a Freud acaba por acaparar todo, y para calzar tanta culturilla destrozan la historia.

La película sólo sale adelante como una parodia de si misma, como un disparate. En manos de un autor con pulso podía haber funcionado como una comedia ingeniosa.

El argumento de la historia tenía también elementos de sobra para haber hecho un buen producto. La trama es policial. La protagonista busca a su marido, un psiquiatra de principios del siglo XX que ha huido de la consulta, y para encontrarlo se vale de su tesis sobre cuatro casos clínicos. La trama es siempre el eje de la película, y aunque uno se burle de lo demás es conveniente respetar algún elemento. Es absurdo buscar a un marido que ha huido por su pie o acordarse al final de crear una conspiración para darle interés a la historia.

Hay quien ha querido ver rasgos de la alta comedia de Billy Wilder, pero en ese sentido sólo veo la interpretación de Leonor Watling que casi consigue imitar a Shirley MacLaine. Yo aún me pregunto si la película podría dejarse ver después de una poda a fondo, quizá no, lo más probable es que sólo hubiera funcionado tras haber atado y amordazado durante el rodaje al empollón que se aprendió de memoria las obras de Freud.

Fotogramas ****: una comedia española inteligente, brillante, irónica, que te hace sonreír y pensar. Una comedia que le habría gustado mucho a Billy Wilder porque tiene aquello que él buscaba siempre: hablar del aquí y el ahora sin necesidad de dar lecciones.
Metropoli ***: comedia de enredo inusualmente inteligente, culta, sin petulancia, narrativamente ágil, repleta de matices, incluso de notas a pie de página, que permiten celebrar el atrevimiento de que en una producción española aparezcan sin estridencia y sin vergüenza ajena personajes como un olvidadizo Dr. Alzheimer o Sigmund Freud.

Entrevista. Alejandro Amenábar

Tratándose de hechos reales y tan delicados, ¿no se planteó realizar un documental?

Lo que mejor sé hacer son películas de ficción. Me apasiona sumergir al espectador en una atmósfera creada e insinuar cosas, no mostrarlas. Un documental es básicamente mostrar la realidad. Yo no quería eso. Quería sacar de la realidad los elementos que me permitieran contar la historia que tenía en la cabeza. En ese sentido, fue un proceso muy natural.

¿Cómo ha sido ese proceso?

Conociendo la historia de Ramón Sampedro, empecé a escribir, pero enseguida me di cuenta de que necesitaba más información. Mateo Gil y yo investigamos a fondo su vida, que nos pareció apasionante. No sólo su relación con las mujeres, también con el mar, con la música que escuchaba, con la ventana desde la que miró el mundo, postrado en la cama, durante tantos años, y a través de la cual viajaba en sueños. Con esos elementos había una película. Y pensé: "Vamos a escribir la historia de Ramón porque se la merece. No nos vamos a ir a Hollywood a contar una historia parecida. Contaremos la de Ramón". Lógicamente, ha habido cambios al traspasar la historia a ficción, como la necesidad de concentrar varios personajes en uno para que la película avance dramáticamente.

La neutralidad está reñida con la ficción. ¿Cuál es su postura moral en el caso de Ramón Sampedro?

No he querido ser neutral. Eso es imposible. No sé qué hubiera hecho yo en el lugar de Ramón, si hubiera deseado la muerte o no, pero tengo claro que Ramón tenía derecho a pedir lo que pidió, que en el fondo no era más que reclamar la propiedad de su vida. Su vida no pertenecía a nadie más que a él, y sólo él podía tomar la decisión de suicidarse. Lo que yo no quería es que la película se convirtiera en un alegato en defensa del suicidio como respuesta a los problemas del mundo. Hay un montón de personas que quedan tetrapléjicas y luchan todos los días por salir adelante. No quería que la película fuera un insulto para ellos. Nuestra postura es la libertad. Nadie puede juzgar a nadie cuando decide sobre su propia vida. Son tan valientes los que luchan por. superar su discapacidad como los que deciden no seguir viviendo en esas condiciones.

El Cultural
Entrevista anterior para ABC

Las crónicas de Riddick

David Twohy, 2004
Reparto: Vin Diesel (Riddick), Thandie Newton (Dama Vaako), Karl Urban (Vaako), Colm Feore (Lord Marshal), Linus Roache (Purificador), Keith David (Imam), Alexa Davalos (Kyra), Yorick van Wageningen (Gobernador), Nick Chinlund (Toombs), Judi Dench (Aereon), Mark Gibbon (Irgun), Christina Cox (Eve Logan).
Guión: David Twohy; basado en los personajes creados por Jim Wheat y Ken Wheat.
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Gratuita

Los mundos imaginarios obedecen a la necesidad íntima de escapar del nuestro, pero también a la pereza que supone conocerlo. Riddick y su universo es una de esas franquicias tan de moda hoy día, surge en el 2000 con una película del mismo director y actor, que se tituló Pitch Black, donde, con un presupuesto bajo el personaje ya estaba configurado.

Riddick, dice una voz en off, es un hombre malo, pero los necróferos son mucho más malos. Para combatir el mal hace falta otro mal. Un buen narrador no debe cometer este tipo de errores: explicar las cosas cuando puede usar una cámara para que todos las veamos con nuestros ojos. A mi Riddick no me parece un tipo particularmente malo, es igual que Eastwood, un poco avaro con las palabras, y cuando habla se gasta una solemnidad que parece que va a darnos a todos la comunión. Riddick es un tipo que sólo quiere vivir en paz, pero los cazarrecompensas le han puesto un precio tan alto a su cabeza que no puede conseguirlo. La película comienza con una persecución en un planeta lejano. Riddick busca al delator y descubre que él es necesario para salvar un planeta, o quizá todos.

Los necróferos parecen insaciables destruyendo lo que encuentran. ¿Para qué? Es una pregunta que al guionista no le dio tiempo a contestar, pero tal vez lo haga en la tercera parte, no se impacienten. Los necróferos quieren viajar al submundo, pero como nadie quiere ser necrófero, porque produce un dolor casi tan desagradable como la muela del juicio, éstos tienen que convertir por la fuerza los planetas que invaden. Convertirse en necrófero es abandonar la libertad de culto y convertirse a una religión intransigente. Y lo que es peor para un espectador americano, supone renunciar a los "derechos civiles". El líder de los necróferos tiene un poder que le permite moverse muy deprisa y es el único que ha visitado ya el submundo por lo que también es un profeta.

La cuestión es, ¿para qué inventar tantas razas y personajes malvados cuando ya tenemos a Bush? Todos los necróferos y males del subuniverso ya estaban nombrados en Bowling for Columbine. Nunca dejaré de quejarme de la gratuidad de tanta fantasía. Junto a los necróferos aparecen otras dos razas, una es la de los furianos, a la cual pertenece Riddick. Los necróferos tienen miedo de los furianos a causa de una profecía. En una narración, una profecía es mucho más eficaz que un rayo láser, porque un rayo láser siempre falla y le da a la nave de al lado, pero las profecías se cumplen aunque se agote el presupuesto. El papel de la elemental es menos claro. Los Elementales son una raza que se desvanece de vez en cuando, y tienen algo de sabios. Es cierto que en este tipo de saga hace falta un sabio, pero ya que está ahí podía decir algo que no supiéramos, como por ejemplo cual iba a ser el decimo premiado de la Navidad del 2004.

"Las Crónicas de Riddick" está ambientada en un futuro fantasioso. Si el creador fuera un fanático de los ordenadores hubiera llenado todo de lucecitas fosforescentes, pero parece más bien un amante de las sagas medievales, de modo que apenas hay armas a distancia y los combates se libran cuerpo a cuerpo; Van Diesel puede lucir su musculatura y el bien y el mal pueden enfrentarse con sus puños como se ha hecho toda la vida, y no con un tiro en la nuca que resulta poco caballeresco.

Casi toda la película, y tantas otras, es explicable como el resultado de una indigestión de tebeos, juegos de rol y playstation: trajes, razas, armas, combates; casi todo sobra porque casi todo es de adorno, los ojos sin pupila del protagonista, la chica, la raza de los elementales. Casi todo es gratuito. Algunos detalles, en cambio, sirven para la trama, por ejemplo una ley de los necróferos que dice que uno es dueño de lo que mata.

Rotten Tomatoes = 29% $58m.

El rey Arturo

Antoine Fuqua, 2004
Reparto: Clive Owen (Arturo), Keira Knightley (Ginebra), Stellan Skarsgård (Cedric), Stephen Dillane (Merlín), Ray Winstone (Bors), Hugh Dancy (Galahad), Til Schweiger (Cynric), Ioan Gruffudd (Lancelot), Mads Mikkelsen (Tristán), Joel Edgerton (Gawain), Ray Stevenson (Dagonet), Sean Gilder (Jols).
Guión: David Franzoni.
Producción: Jerry Bruckheimer.
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Anacronismo

En “Pierre Menard, autor del Quijote”, Borges inventa un Quijote que es el mismo Quijote de siempre, pero escrito por un autor actual, lo cual es otra manera de entretenerse leyendo el Quijote. Twain buscó la sorpresa en las aventuras del Rey Arturo plantando a un yankee de Connecticut en su corte; creadores, guionistas, novelistas y espectadores nos cansamos de leer la misma historia y nos alegramos de esas travesuras como la de Twain o Borges que no cambian la aventura, pero cambian la mirada con que se vuelve a ella. El anacronismo es un modo de barajar que a veces consigue vencer el tedio. Y el tandem Brukheimer (Piratas del Caribe) Fuqua (Día de entrenamiento) debió ver un filón en unos descubrimientos arqueológicos que demuestran que la leyenda de Arturo es coetánea de la caída del Imperio Romano. Los propios historiadores les servían en bandeja una nueva historia con viejos mimbres. Un Arturo romano.

El primero en atacar Bretaña fue Julio Cesar, pero la conquista corrió a cargo de Claudio hacia el año 43 D.C. En el 123, Adriano se cansó de pelear con los pictos y construyó un muro en la zona más estrecha de la isla que separaba Inglaterra del norte, es decir, un territorio parecido a la actual Escocia. (Sigo a G. M. Trevelyan por si alguien quiere profundizar). La película transcurre en ese muro que los romanos se ven obligados a abandonar en el 450 debido a la llegada de las tribus del norte, los sajones. Estos venían de la zona que hoy ocupan Dinamarca y Holanda. No está muy claro como fue la invasión porque han dejado pocos documentos. Se supone que fue violenta porque arrasaron los enclaves romanos, y también debieron llegar tribus pacíficas porque se quedaron a cultivar la tierra. En la película los sajones tienen una pinta terrorífica y un ansia extraordinaria de masacrar a todo ser viviente. Pero no olvidemos que en Ivanhoe los sajones son los pacíficos campesinos y los normandos son los ricos hacendados que los explotan; ocurre como con los indios, a veces son malos y a veces son buenos.

Arturo es un oficial romano que lucha contra los bretones y pictos, o sea, contra los bárbaros y a favor de lo que él cree que es el mundo civilizado. Sin embargo Arturo va descubriendo que el mundo romano es un mundo de injusticias y desigualdades, mientras que él es un amante de la libertad y de la igualdad y por eso no le ha puesto cabecera a la mesa de los caballeros y la mandó fabricar redonda. Arturo también confía en la iglesia, y sobre todo en Pelagio, que era un precursor de Lutero y defendía la posibilidad de la salvación por uno mismo. Su segunda decepción es espiritual pues averiguará que Pelagio ha sido condenado por hereje.

Es difícil saber si un Arturo de estas características tenía que triunfar con sus ideales en el siglo V, pero está claro que su protestantismo en ciernes y sus valores democráticos lo hacen muy simpático para el espectador actual. Otra cosa bien distinta es que el espectador tenga ganas de pasar dos horas intentando comprender tanta tribu británica y tomando partido por un bárbaro u otro.

Otros cambios que marcan el correr de los tiempos son, por ejemplo, que Ginebra no es una damisela indefensa, sino una guerrera de armas tomar. Lancelot no es británico, sino Sármata, una tribu del Rhin que Roma perdonó a cambio de entregar a una leva de soldados que militaban la legión durante quince años de sus vidas.

Arturo es un héroe sin pueblo. El romano no le vale porque cree en la servidumbre, el cristianismo defiende la desigualdad. El patriotismo constitucional no se había inventado. Así que Arturo, concluye que el pueblo está en uno mismo.

Rotten Tomatoes = 32%. $51mill.

La sombra de un secuestro

Pieter Jan Brugge, 2004
Reparto: Robert Redford (Wayne Hayes), Helen Mirren (Eileen Hayes), Willem Dafoe (Arnold 'Arn' Mack), Matt Craven (Agente Fuller), Alessandro Nivola (Tim Hayes), Melissa Sagemiller (Jill Hayes), Geoff McKnight (John De Witt), Matt Miller (Agente FBI), Sarah Koskoff, Wendy Crewson, Gwen McGee.
Guión: Justin Haythe.
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Los ricos también aman

Hace falta irse de vacaciones a un lugar lejano para descubrir el sabor del agua de tu ciudad o la simpatía de los camareros que te sirven el café. Hace falta que a uno lo secuestren para que se de cuenta de lo que siente realmente por por su familia. Wayne Hayes está de enhorabuena porque en la película es secuestrado y por fin dirá a su mujer, en un trozo de papel, lo que siente.

Charles Chaplin decía que si en una película una tarta cae en la cara de una señora rica todo el mundo se ríe, pero si la misma tarta le cae encima a un pobre vagabundo a nadie le hace gracia. El cine funciona con simpatías difíciles de llevar. Brugge se adentra en aguas pantanosas cuando deja que secuestrador y secuestrado discutan sobre la suerte que a ambos les ha tocado en la vida. Arn (Dafoe) es un desgraciado que realiza su tarea por unos míseros dólares y un sueño, Hayes (Redford) defiende lo que es suyo y a su familia que esta sufriendo el secuestro. Pero probablemente un millonario que ha ganado su fortuna trabajando no suscite tantas simpatías en el público, como decía Chaplin. El cine está lleno de ricos que lo pierden todo para mayor regocijo del público. En el cine el débil sigue siendo el mejor candidato a la simpatía por una ley que desconozco. Por eso, si yo fuera Brugge no hubiera abierto el debate.

Rotten Tomatoes = 43%. Fresh: 49 Rotten: 65
Taquilla 6ª semana: $6mill.

Las esposas perfectas

Frank Oz, 2004
Reparto: Nicole Kidman (Joanna Eberhart), Matthew Broderick (Walter Kresby), Bette Midler (Bobbie Markowitz), Christopher Walken (Mike Wellington), Faith Hill (Sarah Sunderson), Glenn Close (Claire Wellington), Roger Bart (Roger Bannister), David Marshall Grant (Jerry Harmon), Jon Lovitz (Dave Markowitz), Lorri Bagley (Charmaine).
Guión: Paul Rudnick; basado en la novela de Ira Levin.
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La gloria a precio de saldo

En cine, cuando uno cuenta una parábola o una moraleja disfrazada de historia debería tener claro, antes de ponerse a rodar, que las imágenes que va a ofrecer al espectador sirven para llenar dos horas de su vida, porque de lo contrario el espectador se va encolerizado pidiendo a gritos que le devuelvan su dinero y, sobre todo, que le devuelvan esas dos horas que le podían haber resumido en cuatro palabras.

“Las mujeres pefectas” se resume a una frase: nuestras esposas no son objetos que estén ahí para nuestro disfrute. Walter (Broderick) debería saberlo ya, pero no lo sabe y lleva a su esposa a un pueblo llamado Stepford donde un antiguo directivo de Microsoft programa a las mujeres para que funcionen igual que Windows, pero sin tantísimos agujeros y caídas. El marido aprende la lección y Joanna (Kidman) le perdona en vez de arrancarle la piel a tiras cosa que no comprendo. En cualquier caso es una película ideal para cualquier espectador que tenga ganas de ir al cine para comulgar con lemas aceptados por todo el mundo. Es la película perfecta para aquellos que quieren sentir que son buenos sin hacer el más mínimo esfuerzo, como aquellas parejas de antes que se muriera Franco que creían que todo iba bien porque no se pegaban o no se ponían cuernos y con eso ya bastaba. En fin, un rollo de película.

Rotten Tomatoes = 27%. Fresh: 39 Rotten: 108
Taquilla 10ª semana: $39mill.

Open water

Kris Kentis, 2004
Reparto: Blanchard Ryan (Susan) Daniel Travis (Daniel) Saul Stein (Seth) Estelle Lau (Estelle)
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La indefensión

Un matrimonio de americanos es abandonado por un error fatal en mitad del océano con sus trajes de buceo y el ancho mar por delante. Open water es la historia de un extravío. De haberse rodado en tierra, el director podía haber llenado hora y media con paseos, árboles, animales y geografías, pero en Open Water sólo hay agua. A falta de otra distracción, los esposos conversan. Las únicas aventuras que rompen el paso de las horas son las medusas, las preocupaciones por la salud, los reproches, y pequeños tiburones, menos amenazadores que los de Spielberg.

La pobreza de medios le niega al espectador toda sombra de diversión, lo cual, quizá, juega a favor de los resultados. Es como si todo estuviera desnudo, sin espectáculo, sin lugares que descubrir, sin esperanza, sin armas para defenderse de la inmensidad del mar. El espectador sabe que sólo caben dos posibilidades, la pareja es rescatada o no lo será nunca. Los canones de la industria dictan que después de sufrir las penalidades de los protagonistas, los espectadores nos merecemos el bálsamo de un rescate, en cambio los enfants terribles del cine prefieren dejar al espectador pensativo y desolado. Yo soy de los que piensan que elegir entre dos posibilidades, A y B, no debería servir para medir el talento de un creador.

Rotten Tomatoes = 73%. Fresh: 82 Rotten: 30
Taquilla 2ª semana: $3mill.