Yo, Robot

Sonny

"I, Robot"
Alex Proyas, 2004
Reparto: Will Smith (Detective Del Spooner), Bridget Moynahan (Dra. Susan Calvin), Bruce Greenwood (Lawrence Robertson), Chi McBride (Teniente John Bergin), Alan Tudyk (Sonny), James Cromwell (Dr. Alfred Lanning), Adrian Ricard (Granny), Jerry Wasserman (Baldez).
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Los cuentos de “Yo Robot” de Asimov se entretenían con la lógica y las salvedades de las tres leyes de la robótica, lo mismo que un ajedrecista se entretiene con las posibilidades de las piezas en el tablero. Eran cuentos inteligentes con poca acción y mucho cálculo, en los que podía ocurrir cualquier cosa salvo que una ley de la robótica fuera violada; ese era el pacto de Asimov con el lector (Las tres leyes, por cierto, se le ocurrieron al escritor el 13 de diciembre de 1940 después de una conversación con John W. Campbel). Alex Proyas, el director de Dark City, ha respetado ese pacto, pero su película no es precisamente un juego sesudo que obligue al espectador a hincar los codos para entender la trama; su película es uno de esos juguetes carísimos que nos regala la industria periódicamente para dejarnos boquiabiertos; la película es, fundamentalmente, un espectáculo.

La trama se inicia cuando el científico que programa los robots aparece muerto y todo apunta a que ha sido víctima de uno de sus propios robots lo cual contradice la primera ley la robótica

Las tres leyes de la robótica
1. Un robot no puede dañar a un ser humano, o, por inacción, dejar que sufra un daño.
2. Un robot debe obedecer las órdenes de un humano, excepto cuando dichas órdenes entren el conflicto con la primera ley.
3. Un robot debe proteger su propia existencia siempre que dicha protección no entre en conflicto con la Primera o Segunda Ley.

. El detective encargado del caso es un Spooner interpretado por el chuleta de Will Smith aunque hubiera ganado mucho con un actor sutil. Spooner es un policía prejuiciado que desconfía de los robots, si bien un robot jamás ha cometido un delito. Spooner es el pastor que grita que viene el lobo y va a darse el gusto de tener la razón. Su investigación se ve obstaculizada por la todopoderosa empresa US Robotics que viene a ser un trasunto de Microsoft, y los obstáculos proveen la película con escenas de acción que compiten sin complejos con las mejores películas de acción del momento y quedará algo vieja cuando la veamos en la tele.

El robot sospechoso se llama Sonny y con su complejidad es el único elemento que Asimov hubiera bendecido. El niño-robot de "Inteligencia Artificial" intentaba conseguir sin éxito lo que Sonny consigue sin problemas. El niño apelaba a la compasión inútilmente, Sonny, en cambio se gana al espectador porque actúa como lo haría una persona, se gana su redención porque no es un pobrecito robot, es un robot atormentado, un ser problemático, como usted y como yo.

Stipey | Crisei | rvr | velocidad de escape |

Fotogramas ****: La película de ideas y el blockbuster de acción libran un pulso constante a lo largo de todo el metraje hasta que, finalmente, es este último quien se apunta la victoria.
Sergi Sánchez: En esta película con espíritu de serie B situada en el año 2035, los humanos dependen de los robots, que son a la vez esclavos, amos y señores del ámbito doméstico.
Enrique Colmena **: Isaac Asimov no ha tenido suerte, en general, con las adaptaciones de sus obras al cine.
Mr cranky (-3): The premise here basically seems to be "What if Microsoft Windows could grow legs and run around your house breaking stuff?" Robot manufacturer U.S. Robotics is a corporate monolith led by the richest man in the world, and the robots have an "automatic update" feature that downloads new software straight from headquarters. However, every once in a while there's an unfortunate bug that causes the robots to drop whatever chore they're doing and try to kill people instead. Helpfully, the robots turn red during this process so we have an important visual cue that they're now evil.
Ebert **: Harlan Ellison and Asimov collaborated in the 1970s on an "I, Robot" screenplay, which, the good doctor said, would produce "the first really adult, complex, worthwhile science fiction movie ever made."
Ecran Noire: Dans I, Robot, le mastodonte hollywoodien écrabouille tout sur son passage, y compris un script original qui méritait sans aucun doute meilleur traitement. L’opposition entre des humains cloisonnés dans une société de consommation avilissante et des robots aussi perfectionnés que dominateurs, ne dépasse jamais le stade de la simple représentation. Pire encore, la rébellion des machines contre leurs dominateurs ressemble une stupide guéguerre improvisée.

Rotten Tomatoes = 63%. Fresh: 95 Rotten: 56
Taquilla 2ª semana: $95mill.

Entrevista: Amenábar

ABC: Nos da una visión de la muerte, de la vida, del amor... ¿Cómo conjuga todo ello en la pantalla?

Amenábar: Muchas veces se habla del arte, por ejemplo aplicado en pintura o en música contemporánea, como algo que consigue convertir lo intrascendente en algo críptico y, por tanto, poético. Yo creo que lo busco un poco al revés. No sé si lo busco, pero es lo que me sale. Son grandes temas que están flotando ahí -la vida, la muerte, el amor- y busco la manera de traducirlo al lenguaje de la calle para que sea entendido por los espectadores. El discurso de Ramón Sampedro era muy profundo y filosófico, el discurso de un erudito, de alguien que llevaba leyendo y escribiendo treinta años. Yo decía: estaría genial traducir esto a una película y que el espectador lo entendiera. El cine te lo permite. Ésa ha sido la idea: traducir en imágenes y en música palabras mayores, pero que la película no sonara a palabras mayores, sino partir siempre de cosas muy cotidianas.

ABC: ¿Cómo se gestó la película? ¿Partió de la noticia de su muerte, que inundó todos los informativos?

Amenábar: Sí, supongo que sí. Compré el libro después de que él muriera y supongo que había algo en la mirada de este hombre, en la serenidad con la que hablaba, que me llamó mucho la atención. Luego, sus circunstancias: saber que prácticamente no había querido salir de la cama, pero que se había dedicado toda su vida a leer, a prepararse intelectualmente para que su discurso fuera sólido. No estuvo en mí el ánimo de hacer una película sobre la eutanasia. Esta situación personal me llamó mucho la atención, pero, al investigar más sobre la vida de Ramón, descubrí que era una persona con mucho sentido del humor, que había habido varias mujeres enamoradas de él; descubrí la importancia de las ensoñaciones en su vida interior: cómo se transportaba al mar, cómo, cuando soñaba, soñaba que volaba... Son elementos muy cinematográficos que permitían hacer que una película despegara, que no fuera simplemente la narración cronológica de la vida de Ramón Sampedro.

ABC.es

La vuelta al mundo en 80 días

Frank Coraci, 2004
Reparto: Jackie Chan (Passepartout/Lau Xing), Steve Coogan (Phileas Fogg), Cécile De France (Monique), Jim Broadbent (Lord Kelvin), Ewen Bremner (Inspector Fix), Kathy Bates (Reina Victoria), Arnold Schwarzenegger (Príncipe Hapi), John Cleese (Sargento), Karen Mok (General Fang), Owen Wilson (Wilbur Wright), Ian McNeice (Coronel Kitchener), Luke Wilson (Orville Wright).
Guión: David Titcher, David Goldstein y David Benullo; basado en la novela de Julio Verne.
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Jackie Chan y sus guiones

Alguien debería pararle los pies a Jackie Chan para que no metiera las manazas en los guiones de las películas donde trabaja. Su huella es indeleble, y no sólo en las peleas de karate, si Jackie Chan aparece en el reparto puede usted estar seguro de que tendrá que aguantar todo el lío de parentescos y leyes familiares que son sagradas en el cine de Hong-Kong, alguna heroicidad antiheróica, personajes sin definir y lo peor, un humor reblandecido que los guionistas de Mary Poppins hubieran rechazado por repipi.

“La vuelta al mundo en 80 días” es, aparte de un libro de Julio Verne, una excusa para hacer una película de episodios que están unidos gracias al viaje pero que no pegan para nada unos con otros. La falta de coherencia es mucho mayor en los personajes, que podían haber sido un hilo conductor pero uno no sabe por donde cogerlos porque, a falta de definición, pueden salir cobardes en una escena como toreros en la siguiente. Dicen que la película funciona para niños, espero que no les toque hacer de canguros ese día.

Roberto Piorno @@@: ‘La vuelta al mundo en 80 días’ reivindica esa ideología de la magia familiar, la luz que irradia la empatía del niño grande cuando ha sido seducido por la alquimia de la diversión y por la adrenalina light de los grandes cuentos familiares.

Rotten Tomatoes = 33%. Fresh: 33 Rotten: 80
Taquilla: $23mill.

Sustancia y accidente. Aristóteles, Shrek y Spiderman

La filosofía de Aristóteles está muy influida por su observación de la naturaleza, y sobre todo de los fenómenos biológicos. Uno puede observar como un gusano se transforma en una mariposa, o como una semilla pequeña se transforma en un enorme árbol. La cuestión para Aristóteles es ¿qué queda a pesar del cambio? Y su respuesta es un término que él mismo acuñó: la Sustancia.

En una frase como “yo soy un hombre”, Aristóteles diferencia entre la Sustancia que soy yo y lo que se predica de la Sustancia: un hombre. A todo lo que es individual, único lo llama Sustancia Primera, a lo que se puede predicar de esta lo llama Sustancia Segunda, o sea, el género, la especie, etc. Por último tenemos características que se pueden afirmar de una sustancia pero no son necesarias, como por ejemplo ser alto o bajo, o tener la piel morena o clara, a estas características las llama Accidentes.

Todo esto viene a cuento de Shrek. Porque él y su esposa Fiona se pelean por Sustancias y Accidentes. Shrek se lleva mal con su suegro y Fiona no sabe que hacer para arreglarlo, así que se enfada con Shrek. Le grita que él es un ogro, y Shrek se siente más herido de lo que ella esperaba ¿por qué? Porque Shrek es un ogro, no es un ser humano. Ella nombró al Accidente, es decir lo llamó ogro porque se comportó mal, pero él entendió que Fiona no aceptaba su naturaleza (o según Aristóteles, no aceptó su Sustancia). Por eso Shrek busca un hechizo para transformarse y dejar de ser un ogro, sin darse cuenta de que Fiona sólo quiere que cambie sus modales.

Cuando Fiona descubre que Shrek se ha convertido en un ser humano su problema sigue siendo aristotélico. Ella sabe que él es un hombre, pero eso no quiere decir que le valga cualquier hombre (Sustancia Segunda), ella ama a un solo hombre que se llama Shrek (Sustancia Primera). Digamos que aunque el hechizo ha operado una transformación, ella necesita descubrir al individuo real que subyace detrás de esa transformación. Ella ama una semilla y quiere seguir con el árbol que nace de esa semilla, no con otro árbol.

Peter Parker tiene dos Sustancias Segundas, es un hombre despistado y a la vez es un superhombre. Esta dualidad lo trae loco. Peter Parker lo pasa muy mal porque no puede cumplir con ninguna cita. En cambio, para Mary Jane no hay ningún problema, sabe que le gustan los dos sujetos. Mary Jane, igual que Fiona reconoce al individuo por encima del disfraz porque el amor es, digamos, el sentimiento que nos permite llegar a la esencia del otro, a su Sustancia Primera.

Por el contrario, cuando el amor fracasa, solemos decir “ya no eres el mismo” o bien “ ya no eres la misma”. No aludimos a la especie, no se trata de que la persona se ha ya transformado en chimpancé o en un televisor, se trata de que ya no la vemos como el mismo individuo. Aristóteles diría que ya no es para nosotros la misma Sustancia Primera.

Fahrenheit 9/11

Michael Moore, 2004
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Las víctimas y los verdugos

Durante la Guerra Civil norteamericana, los unionistas del norte impusieron el reclutamiento obligatorio de los soldados para luchar contra el sur esclavista. Pero, faltos de dinero, también firmaron una ley por la que un soldado podía pagar a otro hombre para que fuera en su lugar. Esto no dice mucho a favor del ejército de la Unión, pero tampoco invalida sus principios, fue justo luchar contra la esclavitud. Por eso cuando Michael Moore se pone a las puertas del congreso a pedir a los senadores que firmen un impreso para que sus hijos se alisten en la guerra de Irak no está hablando en contra de la Guerra de Irak, está diciendo que en todas las guerras luchan los pobres.

Cuando Moore ataca la guerra de Irak, está atacando, sin darse cuenta todas las intervenciones de EEUU, también la de Kosovo contra Milosevic, o la Segunda Guerra Mundial contra Hitler. Todas las guerras las hacen los pobres. Para criticar la de Irak tendría que haber trazado la línea entre lo que es justo y lo que no. El fondo de la cuestión es que una guerra preventiva, igual que una detención preventiva, es una aberración. Y lo terrible es que las armas de destrucción masiva no existían.

Moore no es un crítico afilado, y sus argumentos van del tópico a la acusación gratuita. Cuando critica a Bush por tomarse muchos días de vacaciones o a su padre por trabajar para los Saudíes, deja muy fácil la réplica. Moore no llega al fondo de las cuestiones que plantea, se queda en el chiste o en el pataleo. Pero la película es efectiva cuando habla de la manipulación de la gente por parte de los gobernantes a costa del miedo.

Moore parece un representante de la izquierda en Hollywood. En el tema de la violencia, en Bowling for Columbine o aquí, apunta a las causas sociales. Fíjense en la pacífica Canadá, decía en aquella, en esta nos presenta a los reclutadores de los Marines buscando a sus presas entre la población insatisfecha de los barrios pobres. Los pobres marines se quejan de su vida, sólo ganan dos o tres mil dólares al mes, mientras que los conductores de Halliburton ganan el doble. ¿Se imaginan la cara de los espectadores del tercer mundo que se dejan la piel por nada?

Lo que quizá Moore no se da cuenta es que todos esos infelices que él llama los desfavorecidos de Estados Unidos, no son las víctimas, sino parte de los verdugos. Todos ellos se benefician de vivir en el país más rico del mundo, de tener combustible barato o un seguro de desempleo. Es posible que no les guste a todos como van a repartírselo, pero lo cierto es que todos viven en el país que va a comerse el pastel.

Kiyoaki | Magadalena Bandera | hunter | Shaviro | Althouse | Matoo |

Fotogramas ****: Fahrenheit 9/11 es necesaria y reveledora, porque aglutina en un rugido con capacidad mediática mundial los pequeños gritos aislados que han ido creciendo por doquier en los cuatro años que abarca el film.
Carlos F. Heredero: Michael Moore asume con gusto, y además con alta rentabilidad (ahí está la Palma de Oro con la que Cannes ha premiado Fahrenheit 9/11), su condición de Pepito Grillo cinematográfico de George Bush y de su camarilla de neocons fundamentalistas.
Alberto Bermejo ***: Michael Moore ha encontrado en el personaje de George W. Bush un filón equivalente a cuando Walt Disney encontró a su Pato Donald.

Rotten Tomatoes = 84%. Fresh: 155 Rotten: 30
Taquilla 5ª semana: $103mill.

Isi & Disi

Chema de la Peña, 2004
Reparto: Santiago Segura (Isi), Florentino Fernández (Disi), Jaydy Michel (Vane), Ana Risueño (Debo), Miguel Ángel Rodríguez "El Sevilla" (Pota), Joaquín Sabina, Manolo de Vega (Eugenio), José Luis Coll (Chinchón), Gran Wyoming (Médico), Máximo Valverde (Emilio), Miriam Díaz Aroca (Eva), Elia Galera (Sargento Sánchez).
Guión: Joaquín Górriz y Miguel Ángel Hernández.
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Adolescentes

AC/DC es una película adolescente que trata de lo que cuesta atreverse a decirle algo a la chica que nos gusta y de lo dura que es la vida porque la chica que nos gusta no siempre nos hace caso. Para abordar una preocupación tan fundamental del ser humano tenemos a dos puntos de cuidado, Florentino Fernández y Santiago Segura, amantes de los quesitos, los berberechos, la masturbación y el rock de AC/DC, cuyo nombre procede de los enchufes de la luz (Alternating Current/Direct Current; corriente alterna o continua, y también, coloquialmente, bisexual). Los dos viven felices dentro de su universo rockero hasta que la flecha de Cupido hace que Segura ponga sus ojos en una niña pija y tenga que adentrarse en el submundo de las facultades de telecos para ir a buscarla.

Por si acaso alguien no se había enterado ni Segura ni Florentino son héroes guapos e ideales, y para corroborar dicha afirmación, se empeñarán media película en poner sus posaderas al otro lado de la ley y la otra media película en ponerlas al otro lado de la decencia a costa de chistes escatológicos, en los que, todo hay que decirlo, Florentino está como pez en el agua, tan convencido que puede conseguir que un espectador piense si el raro no es él mismo.

Segura, en cambio, trata de armarse de un valor que no tiene y fingir un estatus que no quiere tener para convencer a la moza de la película de algo que no cree el mismo. Puede que con tanta autocritica Segura pretenda dar lástima, pero lo que conseguirá es que todo el mundo acabe por darle la razón.

Alberto Bermejo *: El subgénero que ahora resurge, no tan diferente de la comedia desarrollista de los años 60, se sustenta sobre pilares tan concretos como un nuevo casticismo, que ha sustituido a los paletos de antaño por los colgaos

Kill Bill: vol.2

Quentin Tarantino, 2004
Reparto: Uma Thurman (La Novia/Mamba negra), David Carradine (Bill), Gordon Liu (Pai Mei/Johnny Mo), Daryl Hannah (Elle Driver/Serpiente de la montaña de California), Michael Madsen (Budd/Serpiente de cascabel), Michael Parks (Esteban Vihaio/Sheriff Earl McGraw), Bo Svenson (Reverendo Harmony), Samuel L. Jackson (Rufus), Perla Haney-Jardine (B.B.), Chris Nelson (Tommy Plympton), Jeannie Epper (Sra. Harmony), Claire Smithies (Clarita).
Guión: Quentin Tarantino; basado en el personaje "La Novia" creado por Q & U.
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Un genio jugando con material de segunda

Cuando leo comentarios de Tarantino me sienta mal. Todo el mundo quiere que cambie algo de lo que hace. Es como leer a escritorzuchos del tres al cuarto quejándose del principio del quijote y sugiriéndole a Cervantes otro arranque. A nadie le importa si esas líneas son idóneas o no, todo el mundo entiende que son necesarias porque las queremos así. Yo inventaría un nuevo delito en el código penal para todos los que sugieren hacer un cambio en una película de Tarantino.

Tarantino es un genio jugando con material vulgar. Tarantino es como un John Ford que tuviera que rodar una novelita de Estefanía, una Jane Austen adaptando un argumento de Corin Tellado.

En la primera parte, la protagonista recibe un tiro en la cabeza, va a ser asesinada, es violada, y afrenta tras afrenta, La Novia se llena de rabia para matar durante una hora y media. En la segunda parte hubiera sido chocante que la novia siguiera matando, aquellas afrentas quedaron lejos. Por eso tiendo a pensar que Tarantino planeó esta segunda parte contando con el corte, porque de nuevo vuelve a humillar a la novia de la manera más infame durante media hora que hará de su venganza casi un trámite.

Dos flashbacks nos enseñan quien era realmente Bill, y porqué la mató. El segundo nos explica como La novia aprendió kung-fu. La composición, hecha a base de capítulos, funciona para que cada secuencia tenga sentido en sí misma, como si fueran películas autónomas, como si los personajes secundarios no fueran secundarios, de tal modo que van llenando la pantalla e insuflando aire al argumento. La tercera persona de la lista se llama Bud y trabaja en un club de alterne. El jefe está molesto porque llega tarde y lo despide. El jefe no es un personaje secundario, tiene tanta fuerza que nos hace olvidarnos de la trama. El maestro de La novia se llamaba Pai Mei. La instrucción duró años, y le enseñó muchas cosas. Este capítulo iniciático es fundamental para entender a la protagonistas, pero además nos ayuda a olvidar el peligro en que se encuentra.

Formalmente Tarantino abusa, más que usa los recursos a su alcance, el color y el blanco y negro, y también el formato 3/4 que cambia en la escena en la que ella está encerrada. Hacer estos saltos no tiene ningún mérito, el mérito está en conseguir que el espectador no proteste por ellos.

Una niña juega a matar con una pistola de juguete ¿Es culpable de algo esa niña? ¿Lo es tarantino?

Teo | Ghostwood |

Otrocampo: estableciendo una serie de postas propias del camino del héroe que sin un sustento dramático más fuerte hacen del film una sucesión de peleas, torturas y palabreríos varios (esto último retomado para mal, en un retroceso dentro de la filmografía del director) cuya vacuidad se desvanece y no tiene el efecto que tenía en otros films suyos.
Alberto Bermejo **: Por lo demás, Tarantino sigue demostrando su virtuosismo formal y su capacidad para inventar o hacer pasar por nuevas todo tipo de florituras. [...] Los mecanismos de la venganza sanguinaria sobre la que todo se sustenta siguen siendo perfectamente impenetrables.
Ebert ****: That's one of the ways he gives his movies a mythical quality; the characters don't talk in mundane everyday dialogue, but in a kind of elevated geekspeak that lovingly burnishes the details of their legends, methods, beliefs and arcane lore.
Ann Hornaday: If "Vol. 1" was Tarantino's eastern (the yellow track suit Thurman wore in the film was a nod toward Bruce Lee in the chopsocky revenge flick "Game of Death"), "Vol. 2" is his western, and instead of Bruce Lee, Thurman is Clint Eastwood.
Tarantino has charmed highbrow audiences by overlaying the graphic violence of his films with cheeky, pseudo-intellectual monologues about pop culture detritus.
Cranky (-4): Watching this film is like watching the deleted scenes from a "Kill Bill" DVD that doesn't exist.

Rotten Tomatoes = 86%. Fresh: 170 Rotten: 28
Taquilla semana 14ª: $67mill.

Pulp Fiction en el diván

De alguna manera, la definición de «pulp» conviene también a los asuntos que se traen entre manos los psicópatas: temas espeluznantes que se imprimen en papel basto y bruto.

Un psicópata sería algo espeluznante con un acabado basto y bruto desde el punto de vista humano.

Si algo se puede decir de un psicópata es que es un humano que está sin humanizar.

Tiene sus formas, imita sus conductas, aparentemente es como los demás, pero no. Llega un momento en que hacen lo que normalmente a los humanos que lo son les pondría los pelos de punta, pues nada hay prohibido para ellos. Nada tiene por qué ser respetado salvo un cierto código del honor que les lleva a ser leales entre ellos, siempre y cuando se esté en el mismo bando. Aunque, más que lealtad, de lo que se trata es de un pacto de no agresión.

Así, a los matones de Marcelus Wallace (Ving Rhames), Vincent John Travolta) y Julius (Samuel L. Jackson), les vemos ir de colegas y, como un par de colegas que se dirigen a su trabajo van hablando de las cosas de la vida, de lo que piensan, se dan consejos; todo normal, si no fuera porque a continuación se les ve amenazando y matando a los traficantes que han traicionado a su jefe. Y lo hacen recitando un pasaje bíblico que a Julius le carga de razón para permitirse una cólera y una venganza legítimas. Al fin y al cabo, están extorsionando a su jefe y eso no se puede permitir, demostrando con ello la doble moral con la que se manejan.

Esta doble moral es posible por la escisión que sufren en la conciencia, que evita que la una entre en contacto con la otra, no dándose entonces la posibilidad de la contradicción ni de la ambivalencia que les haría entrar en conflicto consigo mismos.

Así, Vincent es capaz de vaciar su cargador sobre alguien pero se queja de que otro sea capaz de rayarle el coche como si fuera el peor de los delitos. Lo suyo no lo es porque tiene un jefe que se lo ordena y un trabajo que cumplir en el que el despido se paga con la vida. Aparentemente, se creen dueños porque violan la ley matando pero a su vez están sometidos a los caprichos de un jefe que puede hacer lo mismo con ellos. Por eso sacar a la esposa del jefe a pasear es como caminar sobre un campo lleno de minas dispuesto a estallar al más mínimo descuido. No hay manera de saber cómo va a interpretar el jefe el resultado: si la esposa queda contenta, puede que haya sido porque le ha sido infiel pero si la esposa se queja, entonces es el jefe el que no se queda complacido. Hagan lo que hagan, están en sus manos.

Bien mirado, no compensa ser psicópata. Es más, hay que tener ciertas cualidades para serlo entre las que se encuentran esa escisión del yo que hace que puedan producir y contemplar el horror sin inmutarse. Esto hace que transmitan una sensación de poder y de dominio que no tiene el resto de los mortales, llegando a ser considerados como héroes y despertando la admiración y la simpatía del espectador. Como no transmiten sensación de peligro, tampoco el espectador la tiene y se produce una identificación con el personaje que hace que éste se divierta con cosas que en la realidad le espantarían.

En el espectador normal, lo que hay es una represión de los impulsos en la realidad, pero en la ficción, hay un levantamiento de esa represión que hace que sea posible el disfrute. En cambio en el psicópata, no hay represión de esos impulsos en la realidad ya que han de ser satisfechos y, si algún obstáculo se interpone, se elimina. Es la ley del capricho y este capricho puede llevar a tener que matar cuando se usa la fuerza para obtener lo que se quiere. Esto es lo que les pasa a la pareja de atracadores de la cafetería donde los matones de Marcelus están desayunando. La falta de legalidad les hace estar en la cuerda floja.

No olvidemos que estamos hablando de los psicópatas sensibles, que tienen su corazoncito para con su chica, que matan para obtener otro beneficio con ello: dinero, poder. Por eso Julius puede plantearse como una señal divina el no haber muerto en el tiroteo contra los traficantes y piensa en retirarse; o tal vez piensa en ponerse en manos de un amo más poderoso que su jefe, cuya cólera podría recaer sobre él.

Teodora Liébana. Cine en el diván.

Héroes Tristes

¿Se imaginan poder volar con la chica del quinto, esa a la que usted no le dirige la palabra de lo buena que está? ¿Se imagina aparcar en la puerta de su trabajo un batmovil de propulsión nuclear? ¿se imagina que va a llegar tarde al trabajo porque no le da tiempo a entregar unas pizzas y se coge el disfraz de hombre araña para estar allí en un segundo?

Ser superhéroe es una pasada. Pero todos los superhéroes están tristes. Spiderman no puede ligar con tanta responsabilidad, Superman tiene demasiados enemigos. Los superhéroes son una panda de quejicas que se inventan problemillas de lo más tonto para no matarnos de envidia. O bien son desgraciados para que alguien pueda ponerse en su piel. Antiguamente nadie se creía mucho al hombre araña porque la pared que escalaba era de cartón piedra y al traje se le veía una etiqueta que decía “marca acme”. Hoy, con la tecnología digital, no cuesta nada hacer creíble una lucha a muerte en un tren que va a cien por hora. La imagen está resuelta, falta hacer creíble al personaje, la psicología, la emoción, la sensación esa que se puede sentir si uno es superhéroe. Hacen falta problemas como hacen falta virtuosismos digitales, para creerlo, para vivirlo. Supongo.

Anoto además una noticia sombría. Ha muerto Manolo Marinero, un gran crítico de cine, un amante del western que hablaba de cine en las páginas de El Mundo. Desde aquí un homenaje.

Spiderman 2

Sam Raimi, 2004
Reparto: Tobey Maguire (Peter Parker/Spider-Man), Kirsten Dunst (Mary Jane Watson), Alfred Molina (Dr. Otto Octavius), James Franco (Harry Osborn), Rosemary Harris (Tía May), Donna Murphy (Rosalie Octavius), J.K. Simmons (J. Jonah Jameson), Daniel Gillies (John Jameson), Dylan Baker (Dr. Curt Connors), Bill Nunn (Joseph), Elizabeth Banks (Srta. Brant), Bruce Campbell, Ted Raimi (Hoffman).
Guión: Alvin Sargent; basado en una historia de Alfred Gough, Miles Millar y Michael Chabon; y en el cómic de Marvel de Stan Lee y Steve Ditko.
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Disfraces

No se puede ser un tipo normal de día y un superhéroe de noche. Uno acaba perdiendo la formalidad en uno de los dos empleos, y si no que se lo digan a Peter Parker. No puede cumplir con su trabajo, ni con sus clases ni con sus citas porque siempre hay un niño o una anciana en apuros.

Spiderman 2 es mejor que la primera porque es más humana. Nos explica por qué el hombre araña no puede tener una novia (los villanos conocerían su punto flaco), pero sobre todo se aclara muy bien con el problema de Mari Jane. La muchacha tiene novio, pero sabe que le gusta otro hombre y está con la mosca en la oreja ¿le gusta el fotógrafo o le gusta el hombre araña?

Si hacen falta superhéroes para librarnos de superproblemas, pues miren, me quedo como estoy.

El superhombre es un portento y no le falta confianza para ligársela, en la primera película ya le dio un beso que la dejó intrigada; Peter Parker duda todo el rato, le falta lo que le sobra a Spiderman, ni se lo cree ni se decide, y encima la deja plantada.

En cada episodio de Spiderman aparece un villano estrafalario. Lleva un traje pintoresco y tiene algún superpoder contra el cual medir la eficiencia de la tela de araña. Esta vez se llama Octopus. Creo que tanto Stan Lee como los creadores de efectos especiales son niños incorregibles. El enemigo podía ser un gangster, o un terrorista, pero deben parecerles cosa fácil, Spiderman tiene que medirse con personajes tan fuertes como él, pero también tan molones.

De alguna manera los villanos de Spiderman me incordian. Tengo la sensación de que el terreno donde verdaderamente se baten es la pasarela Cibeles, quien lleva el traje más chulo y quien tiene el vehículo más apabullante. En la primera y en la segunda parte aparece un incendio. Y uno tiene ganas de que haya un hombre araña capaz de tejer una tela en un segundo con tal de que salve a la víctima indefensa. Pero cuando el peligro es inventado y estrafalario todo suena a cuento; es un agobio de irrealidad. Si hacen falta superhéroes para librarnos de superproblemas, pues miren, me quedo como estoy.

Stipey | Ratones | Cinequanon

Enrique Colmena **: los numerosos pasajes de las dudas existenciales de nuestro infeliz superhéroe se hacen pesadas y lastran innecesariamente lo que no debería ser otra cosa que un gran espectáculo de aventuras fantásticas y acción.
Méndez-Leite @@@: La película sería perfecta si durara media hora menos y se limitara a contar las hazañas del superhéroe, dejando para el diván del psicoanalista los traumas de su protagonista.
Alberto Bermejo ***: una interminable historia iniciática.
Ebert ****: The movie demonstrates what's wrong with a lot of other superhero epics: They focus on the superpowers, and short-change the humans behind them.
Vinci: Vu comme ça, vous prenez peur. On vous aurait transformé Maguire en Hamlet : Tobey or not to be. Vous n'auriez pas tort. Il y a de la tragédie shakespearienne dans ce royaume pourri de Gotham, où chaque personnalité est duale, tiraillée par ses contradictions. La très séduisante Kirsten Dunst doit choisir entre deux amour. Le très beau James Franco n'est pas capable de tuer le père qui le hante et de tuer son meilleur ami, pourtant cible de sa vengeance. Ne parlons pas de Alfred Molina (tout en charme et en vilenie), monstre complètement maboule avec ses tentacules intelligentes qui brouille sa pensée.
Grégory Delavallee: Peter Parker, accaparé par sa charge de justicier, doit en effet user de ses pouvoirs pour subvenir à ses besoins les plus primaires. Son alter ego se transforme ainsi en livreur de pizza afin que l’étudiant ne perde pas son job d’appoint.
Dan Jolin ****: Like its predecessor, it offers a strong story rather than a feeble excuse to connect set-pieces, now focussing on Peter Parker’s (Maguire) struggle to balance his identities – the great responsibility versus all those smaller ones required to get by in everyday life.

Rotten Tomatoes = 93%. Fresh: 172 Rotten: 13
Taquilla 2ª semana: $256mill.

Spartan

David Mamet, 2004
Interpretación: Val Kilmer (Robert Scott), Derek Luke (Curtis), William H. Macy (Stoddard), Ed O'Neill (Burch), Tia Texada (Jackie Black), Lionel Mark Smith (Coronel Blane), Johnny Messner (Grace), Chris J. Lacentra (Sattler), Renato Magno (Grossler), Tony Mamet (Parker), Clark Gregg (Miller).
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Vueltas de tuerca

Val Kilmer interpreta a un duro entrenador de Marines poco dado a las confianzas que se ve envuelto en un caso de una chica desaparecida y en un montaje policial (típico de Mammet) para desarticular una red de trata de blancas.

Mamet se mueve como pez en el agua creando diálogos inteligentes y dando giros inesperados a la trama. El principio de la película deja al espectador completamente perdido y sin saber que ha pasado ni a quien han raptado; para cuando consigue enterarse resulta que la verdadera historia no tiene nada que ver con lo que parecía.

En Spartan chirría ese furor democrático de los americanos que si les dejan pondrían a su presidente participando en la ruleta de la fortuna. Es una historia cruel de un padre sin sentimientos que no debería aspirar a ser nombrado retrato social o crítico, porque es un caso tan aislado que más bien pegaría en una barraca de feria. El hecho de que la infamia sea tan rebuscada le quita casi todo el gas a la narración.

Desson Thompson: You can find hints of Jessica Lynch (the rescue and false hagiography), Bill Clinton (the dalliances), homeland security (watchdogging every sentient being in the country) and Jenna Bush (White House wild child), to mention just a few headline-torn elements.
A.O. Scott: The tender, antagonistic bond between mentor and protégé — the psychologically tense and physically dangerous process by which amateurs turn pro — is an endlessly fascinating theme for Mr. Mamet.

Rotten Tomatoes = 65%. Fresh: 72 Rotten: 38
Taquilla: $1mill.

Lee mis labios

Jacques Audiard, 2001
Interpretación: Vincent Cassel (Paul Angeli), Emmanuelle Devos (Carla Behm), Olivier Gourmet (Marchand), Olivier Perrier (Masson), Olivia Bonamy (Annie), Bernard Alane (Morel), Cécile Samie (Josie Marchand), Pierre Diot (Keller), François Loriquet (Jean-François), Serge Boutleroff (Mammouth).
Guión: Jacques Audiard y Tonino Benacquista.
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Siempre hay un roto para un descosido

Carla necesita un ayudante para poder cumplir con su trabajo de secretaria. Va a la agencia y pide uno que sea hombre y tenga las manos bonitas. El que le mandan tiene las manos muy feas y acaba de salir de la cárcel. Pero Carla no hace ascos y pronto encuentra una utilidad para un hombre tan raro. Van haciendo algo parecido a una amistad y pronto descubrimos que Carla es sorda y lleva un aparato. Carla puede leer los labios, y sabe lo que dicen de ella en la mesa de enfrente, cosa que lejos de molestar al expresidiario le va a ser muy útil.

La habilidad de esta película está en la forma de contarla. De entrada nos narra una historia de oficina algo minimalista para acercarnos a dos personajes y poco a poco nos hace involucrarnos en un thriller criminal. El creador saca de su manga, a cada paso, una carta con la que nos sorprende y hace girar la acción en un sentido diferente. Ni el espectador ni los protagonistas saben lo que va a pasar a continuación y audiard dirige la función con pulso firme. El mayor acierto ha sido sin duda guardar una traca final llena de tensión, de violencia y de ingenio. Es cierto que los franceses se empeñan inútilmente en copiar a los americanos, pero hay excepciones honrosas en que lo hacen bien. Esta vale de ejemplo.

Rotten Tomatoes = 97%. Fresh: 83 Rotten: 3
Taquilla: $1mill.

Por amor al arte

"The shape of things"
Neil LaBute, 2003
Reparto: Gretchen Mol (Jenny), Paul Rudd (Adam), Rachel Weisz (Evelyn), Frederick Weller (Phillip).
Producción: Neil LaBute, Gail Mutrux, Philip Steuer y Rachel Weisz.
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¿Vale todo en nombre del arte?

La última película de Neil LaButte hace gala de uno de esos finales sorpresa que se han convertido en una obligación. Y el primer tiempo y el centro de la película transcurren en torno a dos discusiones sobre el arte que compiten con ansia por ver cual es la más aburrida.

En la primera discusión, Adam es el vigilante de un museo y Jenny una estudiante de arte transgresora que quiere pintarrajear un taparrabos postizo de una escultura. Hay un cruce algo loco de razones como en las comedias de Hawks, solo que sin la gracia de Hawks. La cuestión es: ¿hay derecho a trastocar el arte?

Adam y Jenny acaban saliendo juntos. Pero Jenny no se lleva bien con el amigo de Adam. La segunda discusión aburrida la tienen los dos: el amigo considera una aberración que alguien pintara la estatua, y Jenny piensa que fue una provocación.

La sorpresa final de la cinta es realmente buena. Si ha ido a verla con un amigo va a tener un buen tema de conversación para acompañar unas cañas a la salida. Y el planteamiento puede ser este: ¿vale todo en el arte? ¿puede ser arte algo que dañe o veje moralmente a una persona?

Mi respuesta es no. Pero algo no me cuadra. Porque me paso la vida defendiendo a Tarantino, el cineasta más despiadado del mundo.

Corrección provisional: Tarantino maltrata a sus creaciones para avisarnos de que está creando, de que lo que ocurre en su película no se puede extrapolar a la realidad. LaBute los hace discutir, los acerca para que nos pongamos en su lugar y pensemos como reaccionaríamos nosotros. De algún modo, LaBute me pide opinión, y de algún modo, Tarantino se escapa de mi moral, y no me deja juzgar lo que hace, porque su espacio es tan irreal que ponerse serio o moralizar es simplemente ridículo.

Rotten Tomatoes = 66%. Fresh: 77 Rotten: 40
Taquilla 4ª semana: $1mill.

Shrek 2

Andrew Adamson, Kelly Asbury y Conrad Vernon.
Doblaje original: Shrek (Mike Myers), Asno (Eddie Murphy), Princesa Fiona (Cameron Diaz), Reina Lillian (Julie Andrews), Gato con botas (Antonio Banderas), Rey Harold (John Cleese), Príncipe azul (Rupert Everett), Hada madrina (Jennifer Saunders), Hermana fea (Larry King).
Guión: Andew Adamson, J. David Stem, Joe Stillman y David N. Weiss; sobre un argumento de Andrew Adamson basado en los personajes creados por William Steig.
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Una cosa que no le perdono

“Por fin ha llegado el cine que va a destrozar a Disney. Por fin el Cervantes del siglo XXI que acabará con los cuentos de hadas lo mismo que aquel acabó con las novelas de Caballería. Se acabaron las princesas angelosas, se acabaron los príncipes atildados, se acabó el sirope para aliñar todos los platos.” O al menos eso cantan todos los que hablan de este invento de Dreamworks que ya va por la segunda parte y bate records en taquilla. Lo malo es que yo soy un amante incondicional del último Disney, de casi todos los títulos posteriores a La Sirenita.

Muchos espectadores, en cambio, son un poco diablillos con sus juguetes, y tan pronto se enamoran de todo lo que saca Disney como celebran que alguien venga a prenderle fuego. De cualquier modo se ha enfocado el tema como una partida a muerte, y parece que Shrek ha ganado; así que Disney se ha hundido, y sus incondicionales tenemos que sacar la bandera blanca.

Pero ¿Quién ha ganado esta partida? La propuesta de Shrek no me parece mala. Contar cuentos gamberros y un poco escatológicos me parece bien, pero ¿hay suficientes temas para llenar una nueva saga? ¿nos vamos a pasar ahora cincuenta años elogiando la fealdad y los malos modales y viendo a Shrek y Fiona convertirse en guapos para una y otra vez elegir que lo que les gusta es ser feos y eructar?

El cine gamberro tiene gancho cuando se enfrenta con los excesos del cine blando. Pero cuando lo derriba no tiene nada que decir, porque no tiene nada de que burlarse. Si me equivoco, el tiempo lo dirá.

Por otro lado, esta segunda parte no llega a parecerme tan provocadora como la primera. Es, sin duda, ocurrente, tiene mucho material para parodiar, porque todos conocemos los mitos infantiles de las alusiones. Shrek visita toda nuestra mitología infantil con un descaro muy de agradecer, pero se queda en la ocurrencia. Si uno las separa del argumento se encuentra con el cine más convencional que uno puede imaginarse.

Aunque para mi gusto no se merece el éxito que cosecha, la saga de Shrek no es precisamente un producto desdeñable. Se aprovecha de la complicidad del público como hace la saga de Scary Movie y tantas otras como la vieja Aterriza como puedas, para citar y tergiversar a placer; han creado una mitología de lo bello y lo feo, y aunque van de rompedores nos largan el argumento de toda la vida. Hasta aquí todo bien. Pero sigo sin entender porque tanto éxito tenía que hundir a Disney.

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Criticalia ****: en un rapto de realismo, la pareja ogra deseará mantener su aspecto no precisamente agradable, en una moraleja diametralmente opuesta a la, en ese sentido, mucho más tradicional de "La bella y la bestia".
Fotogramas ****: Ahora que el cine se contagia de la cultura del remix es difícil colar otra comedia sarcástica basada en homenajear/ridiculizar films previos, escenas grabadas en el imaginario colectivo. La fórmula es tan habitual que cansa.

Sustancia y Accidente. Aristóteles, Shrek y Spiderman. En Cine.blogspot.

RT Rotten Tomatoes = 9%. Fresh: 161 Rotten: 18
Taquilla 7ª semana: $410mill.