EROTISMO OCULTO EN LAS PRODUCCIONES DISNEY

En algunos dibujos animados producidos por Disney aparecen mujeres desnudas, enhiestos miembros viriles y alusiones al sexo en inglés y en otras lenguas.

No todo es inocencia en el cine de dibujos animados. Al menos así lo confirmaron algunas pruebas sobre alusiones subliminales al sexo descubiertas en varios largometrajes producidos por Disney.

The Rescuers (Los rescatadores), dirigida por Wolfgang Reitherman, John Longsbery y Art Stevens en 1977 basándose en los cuentos de Margery Sharp, es la tierna peripecia de unos ratoncillos empeñados en ayudar a sus prójimos. No obstante, tan entrañable argumento, oculta en alguna de sus escenas la aparición de una mujer desnuda. En 1999 el estudio Disney se vio obligado a retirar casi 3 millones y medio de copias de un relanzamiento en vídeo de este título al descubrirse que dos fotogramas de los 100.000 que integran la película contenían imágenes subliminales de una mujer en cueros vivos (para los aficionados al coleccionismo procaz, la señora en cuestión aparece aproximadamente a los 38 minutos). Al parecer tan erótica aportación se debió a los desvelos de un bromista anónimo cuya identidad no llegó a descubrir (o a desvelar) la productora de la película.

Otra sorpresa erótico-festiva salió a la luz tras detenido estudio del póster de The Little Mermaid (La sirenita), dirigida en 1989 por John Musker y Ron Clements. Las divertidas peripecias submarinas de la protagonista cobraban un sentido muy singular a la vista del falo que aparece en el castillo que adorna su póster promocional. Los rumores apuntan que un artista de los dibujos reclutado para la producción, se sentía más o menos como Judá Ben-Hur remando en la galera romana, y decidió cobrar cumplida venganza adornando con un pene la torre o minarete del palacio del cartel anunciador. Los portavoces de la Disney siguen negando que tal figura sea realmente un miembro viril en erección, pero, que se sepa, las torres y minaretes no tienen venas ni mucho menos aún presentan el aspecto de haber consumido Viagra en cantidades industriales.

La bonita fantasía animada de The Lion King (El rey león), cuenta a su vez con una escena bucólica en la que la bestezuela del título mira hacia el cielo, contempla las estrellas, y, quizá como el propio espectador sagaz y de ojo atento, descubre la palabra Sexo disimulada entre las mismas. Además un padre conocedor del swahili, una lengua africana, salió del cine indignado por el significado que en la misma tienen los nombres de algunos de los personajes de la película, como Pumba, algo relacionado con el semen. El desdichado progenitor narró su experiencia con las siguientes palabras: «Llevé a mis hijos a ver El rey león, y les mostré mi ligero conocimiento de swahili traduciendo los nombres de algunos personajes, como Simba, que significa león, o Shenzi, que significa bárbaro. Mi hijo me preguntó qué significaba Pumba, y tuve que mirarlo en el diccionario. Decía: excreción que sale por debajo del prepucio».

Por otra parte, un tal James R. Simón, decidió darle un realismo científico a su documental White Wilderness, producido por la Disney, aplicando tácticas de guerrilla a su trato con la fauna protagonista del mismo. Para demostrar que los ratonzuelos lemmings que aparecían en la película eran muy capaces de suicidarse en masa llegado el caso, adquirió una remesa de tales animalillos a los indios del lugar, y se los llevó de excursión a un barranco canadiense desde el cual les empujó para que se despeñaran.

Demostraciones biológicas posteriores han demostrado de manera irrefutable que los lemmings no se suicidan.

La aportación pragmática y realista al rumor se dio en España (¡dónde si no!), cuando la policía confiscó varios cientos de copias de videos de dibujos animados comercializados en tiendas de todo a cien (o de todo a un euro). Algunos padres habían interpuesto denuncia tras comprobar que en las cintas aparecían insertadas distintas posiciones particularmente escabrosas del Kamasutra, versión gay y en trío. No se trataba, como afirmó el Gran Wyoming en su programa "Caiga quien Caiga", de una versión alternativa de Los Tres Cerditos, sino probablemente de una chapucera maniobra de reciclaje de cintas pornográficas por parte de la compañía distribuidora de las películas.

David Fincher rindió homenaje a todos estos rumores haciendo que el gamberro encarnado por Brad Pitt en The fight Club (El club de la lucha), introdujera penes erectos en una copia de Bambi, generando ataques de llanto en algunos niños, estupefacción en los adultos y un relámpago de lujuria en los rostros de algunas adolescentes.

Secretos & mentiras de Hollywood. Javier & Miguel Juan Payan.

Los clásicos tienen que pagar caro el precio de la gloria. El Quijote que es un chiste ha tenido que soportar el ser sacralizado por muchas generaciones, y Casablanca, que es una obra descuidada está sufriendo el mismo maltrato.

UN CLÁSICO RODADO SIN GUIÓN

El guión de Casablanca se escribió al mismo tiempo que se rodaba la película en una producción contra reloj.

El guión de la célebre película se basaba en una obra de teatro nunca representada hasta ese momento y titulada "Todo el mundo acude a Rick’s". Samuel Mayor quiso adquirirla para la productora Metro Goldwyn Mayor pagando a sus autores Murray Burnett y Joan Allison, 5.000 dólares. No obstante cuando tenia el trato prácticamente cerrado, el jefe del estudio se negó a adquirir tal pieza. Sin embargo Irene Lee, responsable del departamento de guiones de la Wamer Brothers, se la presentó a su jefe, Jack L. Wamer, que estuvo de acuerdo en adquirirla por 20 dólares

En el momento de su producción, nadie estaba excesivamente convencido del potencial comercial del proyecto. El guión se escribía día a día al mismo tiempo que se rodaba, lo cual hada que los acatores tuvieran serias dificultades para seguir la trama, y que incluso Ingrid Bergman llegara a preguntar desazonada, al director, Michael Curtiz, de cuál de los dos hombres de su vida estaba finalmente enamorada el personaje que interpretaba, a lo que Curtiz contestó: «Hazlo como si te quedaras en medio de los dos». Producida con un muy escaso presupuesto y estrenada precipitadamente. Casablanca no era el título favorito de la compañía para conseguir un éxito de taquilla y fue descuidada en muchos de sus aspectos.

De hecho, el presupuesto era tan pequeño, que aunque se recreó el decorado del Rick's Café Américain siguiendo el aspecto del Hotel El Minzah, de Tánger, no quedó dinero suficiente para contar con un avión auténtico en la escena final del aeropuerto, de manera que en su lugar se utilizó una cartulina recortable. Para producir la ilusión de que el aparato tenía un tamaño real, se utilizaron enanos que interpretaban al equipo de operarios que preparaban el avión para su despegue.

Además, el productor de la película, Hal B. Wallis, pasó 3 semanas después de finalizar el resto del rodaje intentando decidir lo que tenían que decir los personajes del policía francés interpretado por Claude Rains, y el aventurero americano interpretado por Bogart. Tanto tardó, que Bogart hubo de ser reclamado nuevamente cuando ya se ocupaba en otra película para decir su última línea de diálogo en Casablanca. Para más inri la productora tuvo serios problemas para poner en escena la "bata-lla de los himnos" que suenan en el Café de Rick, una de las más emotivas de la película. Por parte del himno francés no había problema, pero inicialmente se pretendía que los alemanes cantaran el tema titulado "Horst Wessel", el himno del partido nazi. No obstante el copyright de tal tema era propiedad de una compañía alemana, y la Wamer Brothers optó por sustituirlo por la canción "Die Wacht Am Rhein". De lo contrario se arriesgaban a que Alemania pudiera contar con medios para impedir legalmente la proyección de la película, que le era claramente adversa como propaganda bélica.

El otro tema musical destacado en la película, "As Time Goes By" ("El tiempo pasará"), de Max Steiner, no era el elegido para animar la historia de amor entre Rick e lisa. La Wamer pretendía contar con un tema compuesto especialmente para la película, y la canción de Steiner sólo se empleó para ambientar el rodaje y a los dos actores, aunque se grabó durante la filmación de las escenas en las que aparecía. La idea era esquivar el pago de derechos por la utilización de la canción y contar con derechos propios sobre el otro tema. Sin embargo, el rodaje de las nuevas escenas en que habría de utilizarse la nueva canción se prolongó tanto tras el final de la filmación, que Ingrid Bergman se había cortado ya el pelo para interpretar a la guerrillera de la guerra civil española en For Whom the Bells Toll? (¿Por quién dobían las campanas?), y habla perdido totalmente la imagen de Usa en Casablanca.

Junto al rumor no confirmado de que algunas de las sombras que aparecen en la película no son consecuencia de la iluminación de la misma, sino que fueron pintadas durante le rodaje, parece totalmente cierto que se habla pensado filmar dos finales alternativos. En el primero Ilsa se marchaba con su marido en el avión. En el segundo se quedaba con Bogart en el aeropuerto. El primero quedó tan bien que se obvió el rodaje del segundo.

Tras tan precipitada puesta a punto, la Warner Brothers tuvo sin embargo una enorme dosis de suerte al estrenar la película coincidiendo con la invasión de Casablanca por los aliados en la Segunda Guerra Mundial, acontecimiento que fue aprovechado por el departamento de promoción de la compañía y contribuyó en buena medida al éxito comercial del largometraje en su primera etapa de explotación.

Para conseguir el máximo éxito de taquilla en la distribución extranjera, la Warner propuso que en los papeles de villanos, junto a los nazis se incluyeran otros tipos desagradables del otro país enemigo, Italia, y de ese modo se bautizó a Ugarte, Ferrari o el carterista.

El inesperado éxito conseguido por la película llevó a la Warner a pensar en rodar una secuela que iba a titularse Brazzaville, pero Ingrid Bergman no estaba disponible, e iba a ser sustituida en el papel de lisa por Geraldine Fitzgerald. Finalmente se abandonó el proyecto.

Secretos & mentiras de Hollywood. Javier & Miguel Juan Payan.

Open Range

Kevin Costner, 2003
Reparto: Robert Duvall ( Boss Spearman), Kevin Costner (Charlie Waite), Annette Bening (Sue Barlow), Michael Gambon (Denton Baxter), Diego Luna (Button), Abraham Benrubi (Mose), Michael Jeter (Percy), James Russo (Poole), Dean McDermott (Doc Barlow), Kim Coates (Butler).
Guión: Craig Storper; basado en la novela "The open range men" de Lauran Paine.
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La justicia del vaquero

Open Range tiene un buen comienzo. Retrata un grupo de vaqueros en un oeste verde más cercano al de Michael Landon que al de John Ford en los colores y también en los sentimientos, porque los cuatro hombres componen una especie de familia. Y tiene un final de pena porque han hecho una justicia que no es justa y porque han vivido una historia de amor que resulta demasiado adolescente para unos cuarentones.

Casi todos los grandes westerns tratan de la justicia que puede aplicar el sheriff y de la justicia que el espectador sabe que debe reinar. En sus primeros westerns John Ford solía preferir un escena de un juicio porque intuía que la historia iba en ello. El Oeste, el mundo primitivo de los americanos que llevaban su ganado de un lugar a otro, o se quedaban a cultivar la tierra, era un lugar virgen donde la justicia era un lujo que uno tenía que conseguir con sus propias manos, igual que en nuestros cantares de gesta. La batalla se entabla entre los forajidos y el sherif, o bien entre los inocentes y el sherif corrupto, o bien entre los ganaderos y los campesinos, como en este caso. Los héroes son hombres débiles, casi siempre alcoholicos como aquel maravilloso Doc Holliday que ayudó a Wyat Earp, pero sobre todo, son hombres que saben que tienen razón. El triunfo de esos pistoleros que convierte la música final y el telón en una apoteosis no es el triunfo de sus pistolas como en el spaghetti western, sino el triunfo de la justicia. Y generalmente consiguen el apoyo de los pacíficos habitantes del lugar que también hacen de jurado, salvo en "Solo ante el peligro", donde el poblacho es culpable porque calla y tiene miedo.

Open Range es un fracaso de western porque tiene un sentido de la justicia demasiado taimado con un ranchero malo que en su desesperación no se le ocurre otra cosa que amenazar a todo un pueblo armado de escopetas. Es absurdo porque piensa que unos desconocidos pueden entrar en ese pueblo y ponerlo de su parte en un problema que a ellos no les atañe. Es un duelo nada épico entre unos vaqueros que son demasiado víctimas y una banda que es demasiado perversa para ser creíble.

Este era un mal año para hacer westerns. La mentalidad americana ve fantasmas que nadie más ve y se cree víctima de maldades que ellos mismos provocan. Luego llegan al pueblo y quieren que todo el mundo les apoye por salvar un perrito o que la comunidad internacional sancione sus resoluciones. Pero el pueblo no puede estar con esos vaqueros, ni el público tampoco, salvo el americano, claro, que de un par de años a esta parte ha perdido el norte.

El gran McGinty

Preston Sturges, 1940
Reparto: Brian Donlevy (Daniel 'Dan' McGinty) Muriel Angelus (Catherine McGinty) Akim Tamiroff (The Boss) William Demarest (El político) Ally Joslyn (George) Louis Jean Heidt (Tommy Thompson).
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El héroe simpático

Un empleado de banco trata de suicidarse en un club y el camarero le dice que está haciendo una estupidez, y que él mismo llegó a ser Gobernador y ha acabado en aquella barra. El camarero cuenta su su historia en un flash-back. Todo comienza en una jornada electoral en la que McGinty llega a votar en falso 37 veces. El jefe del partido quiere conocerle y McGinty no se achica ante él, así que el político ve futuro en el hombre y le encarga diversos trabajos como cobrar a los morosos. De ahí pasa a una carrera política como concejal y de concejal lo preparan para alcalde con la condición de que se case. McGinty se casa por conveniencia con su secretaria y llega a alcalde, cargo que ejerce entre sobornos y engaños, construyendo edificios inútiles para que el jefe del partido venda más hormigón. La influencia de su esposa y de los niños le hace tomar conciencia, y cuando llega al puesto de gobernador se niega a seguir con las corruptelas...

No se si Sturges era consciente de los parecidos que tiene su héroe con aquellos tan maravillosos de Bernard Shaw. Cuando Miss Doolitle le dice al profor Higgin en Pygmalión (que en el cine se llamaría “My Fair Lady”) usted me trata como una florista de la calle, él le responde: yo trato como una florista a todo el mundo, aunque sea una marquesa. Higgins no es clasista, no cree que nadie sea diferente, ahí está su heroicidad, y también la de McGinty, que trata al jefe del partido como a un igual y se le encara como a un igual. Esa es la virtud que todos ven en él, incluso el público que le regala su simpatía desde el primer momento.

También es saviana la relación que tiene con su esposa porque McGinty no entiende de convenciones e inventa a cada paso su mundo con una franqueza demoledora. Él vive con ella y no se piden nada, ese es el punto de partida, por eso su acercamiento sabe a verdadero, porque no responde a ninguna convención.

Y también coincide con Shaw en el sentido de la obra. Shaw discutió durante años con sus coetáneos sobre el sentido del arte. Él decía que el arte no es algo gratuito, tiene un papel dentro de la sociedad y puede cambiarla y también educar al espectador, lo cual no era muy compartido, ni lo es tal vez hoy día.

El final de la película, debe más quizá a Frank Capra, con el que comparte un tema y una época, la del New Deal. Sturges es menos sentimental que Capra y también es menos positivo. Se conforma con arrancarnos una sonrisa y eso es de agradecer.

Entrevista: Rose

Rose está detrás de “La hormiga remolona”. Escribe desde Madrid.

¿Qué te han parecido en general las adaptaciones que has visto?
Por lo general, no leo un libro después de haber visto la película inspirada en él, pero sí al revés. En ese caso, ver la película es como un juego, buscas detallitos del libro que después no están en la película, y te sorprendes con otros al que la adaptación da importancia, cuando tú los pasaste por alto. Es difícil juzgar una película como creación independiente cuando has leído el libro en el que se basa.

En este momento sólo se me ocurren ejemplos muy obvios: Las horas (superior la película al libro, que leí después de verla), La edad de la inocencia (la película está en mi Top 3, el libro es ñoño), El lápiz del carpintero (superior el libro, es una poesía que cuaja mejor en literatura), Apocalipsis Now (el libro es interesante, la película me resulta grandilocuente, me cansa), El retrato de una dama (el libro también está en mi Top 3, la película es efectista)...

¿Cuánto te pagaron los Wachowski para que hablaras bien de su película Matrix Reloaded?
¡¡No me esperaba nada de esa película, y me divertí!! No sé explicar de qué trataba, ni me interesa especialmente, pero me reí mucho.

¿Cine, Internet, o un buen libro?
Un buen libro, leer poemas que descubro por Internet.

¿Algún purismo? ¿Algo en contra del cine en televisión, o del cine doblado?
Nunca veo películas dobladas en el cine, en casa sí. En el cine casi todas las películas me gustan, y en casa es difícil que termine de ver el 80% de ellas. No veo cine de terror, y bélico he visto y veré muy poquito.

¿Sueles leer crítica de cine o piensas que no hace falta hablar de una película después de disfrutarla? ¿Algún crítico favorito?
Apenas las leo. Básicamente me interesan dos o tres datos antes de ver una película. Por ejemplo, si es muy dura, prefiero saberlo antes, agradezco que el crítico lo diga en el titular. Si es muy sangrienta, también me gusta saberlo antes. Las críticas las leo más bien a posteriori, me desconcierta ver todo lo que pueden llegar a decir los críticos de una película.

¿Te parece que Hollywood se merece el éxito que cosechan sus películas?
Se lo merece, aunque me fastidie. Han hecho montones de películas de las que te hacen soñar, y eso se agradece. Sus finales felices no tienen precio. En comedias románticas han sido geniales. Si te gusta pasar un buen rato, una de Hollywood siempre funciona. De todas formas, no me siento capaz de valorar en una línea el cine que se ha hecho en cien años, sea en Hollywood o más cerca. Lo confieso, apenas veo cine europeo.

¿Vives una vida de ascetismo audiovisual o te das el gusto de ver cine de antes? ¿Algún clásico inolvidable?
Echo de menos ver más cine de antes, lo anotaré en mi agenda. Clásicos inolvidables: El hombre tranquilo, La ventana indiscreta, Un tranvía llamado deseo, El largo y cálido verano, La ley del silencio, La tentación vive arriba...


¿Te acuerdas de las películas por el director, por los actores, por el título o por la escena de destape?
Por los actores, en escenas concretas y, a menudo, por algún diálogo entre ellos (incluso recuerdo diálogos de las películas más tontas).

¿Cuál es la película que has visto más veces en tu vida?
Indiana Jones en el templo maldito.

Te doy mis ojos

Icíar Bollaín, 2003
Reparto: Laia Marull (Pilar), Luis Tosar (Antonio), Candela Peña (Ana), Rosa María Sardà (Aurora), Kity Manver (Rosa), Sergi Calleja (Terapeuta), Dave Mooney (John), Nicolás Fernández Luna (Juan), Elisabet Gelabert (Lola), Chus Gutiérrez (Raquel), Elena Irureta (Carmen).
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La película ideal para un coloquio de La Clave

Te doy mis ojos puede presumir de un logro elocuente. En muchos momentos consigue que uno sienta que está siendo testigo de la vida misma; que se le borre por completo la sensación de cine, de obra, de objeto pensado y creado por un director. Sus méritos también acaban ahí, en todo lo que tiene de realidad, por eso no me parece la película que puede acaparar premios en un festival, sino la película ideal para ilustrar un coloquio de Balbín.

La dificultad que plantea una obra como la de Bollaín es hasta qué punto se debe concretar en el problema. Si aborda el problema de cerca, el espectador puede ver a una mujer concreta con un problema suyo, de su personalidad débil, que por una razón determinada llega a perder su dignidad. Es decir, se puede quedar en el caso. Pero la perspectiva contraria es aún más peligrosa, cuando se enfoca desde lejos sólo nos quedan los estereotipos, hombre malo mujer víctima. Y es aún peor cuando aparece el salvador, cosa que reprochaba a la primera película de Achero mañas y mucho más a la segunda, si bien no tanto como a todas las holliwoodienses.

Iciar Bollaín ha abordado su obra con suficiente concreción para que no parezca lejana y con suficiente arte para que veamos que detrás de su ejemplo concreto hay muchos hombres. Antonio (Luis Tosar) es prepotente, pero sobre todo es un ser asustado. Para recuperar a su mujer se apunta a un curso para hombres maltratadores, que aparte de cómico es revelador. La intención de la directora, sin embargo, no es llegar al fondo de lo que siente el marido sino dejar clara donde está la línea, cuando una mujer debe decir basta.

Entrevista: Rafa Marín

Rafa Marín es profesor de instituto en el sur (de España, se entiende). En su bitácora habla de cine, de literatura y de la vida.

¿Cine, Internet, o un buen libro?
Por este orden: un buen libro, cine, internet. Pero no son cosas excluyentes.

¿Algún purismo? ¿Algo en contra del cine en televisión, o del cine doblado?
No, yo como de todo. Me gustan las pelis en VO, pero las acepto perfectamente dobladas (ya me pongo al día en DVD). La tele, bueno, lo que hay en España es que no es tele.

¿Sueles leer crítica de cine o piensas que no hace falta hablar de una película después de disfrutarla?
Sí suelo leer críticas: antes y después, para ver quién coincide con mis gustos. Pero no tengo críticos favoritos ni cosas de esas.

¿Te parece que Hollywood se merece el éxito que cosechan sus películas?
Depende de qué pelis y de qué exito. Hollywood lleva, no sé, ¿veinte años?, más perdido que el barco del arroz. Ves pelis de los años ochenta, o de los setenta, y esa forma de contar ya se ha perdido. Todo son explosiones.

¿Por qué crees que el cine español tiene menos espectadores estos últimos años?
No lo sé. Personalmente, porque no me interesan las historias que me cuentan. Las pelis generacionales tienen un problema: no atraen a las otras generaciones. Me gusta el cine de género y eso en España, desde la ley Miró, es anatema.

¿Tu película (películas) favorita de este año?
Gangs of New York.

¿Algún clásico inolvidable, alguna escena como las que pide Garci en sus moviolas, algun momento inolvidable?
Puuuufff, cientos, miles, millones. Nunca olvidaré el primer minuto de Star Wars, cuando la nave grande se come a la nave pequeña... y la nave grande parece que no se acaba nunca. Alguna escena de Truffaut, por ejemplo, Depardieu persiguiendo a la mujer de al lado. Una escena que me conmueve y que cito mucho es de Camelot: cuando Arturo y su séquito llegan a un pueblo y los reciben los aldeanos y le entregan las llaves de sus casas porque ya no las necesitan.

¿Alguna otra reflexión personal?
Vengo reflexionando y todo (cine, tebeos, libros, televisión) es lo mismo. Es literatura. Se usan herramientas diferentes, como en literatura se han usado herramientas diferentes a lo largo de la historia, pero estamos hablando de contar historias para explicarnos el mundo.

Dos polis rebeldes 2

Michael Bay, 2003
Reparto: Martin Lawrence (Marcus Burnett), Will Smith (Mike Lowrey), Jordi Mollà (Johnny Tapia), Gabrielle Union (Sydney Burnett), Peter Stormare (Alexei), Theresa Randle (Theresa Burnett), Joe Pantoliano (Capitán Howard), Michael Shannon (Floyd Poteet), Jon Seda (Roberto).
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¿Rebeldes? Más bien casposos

Nietzsche respondía a la iglesia que el exceso y el lujo no son el origen del pecado sino al reves, “cuando un pueblo degenera fisiológicamente siguen en consecuencia el exceso y el lujo.”* Si Nietsche levantara la cabeza alzaría un acta de defunción al cine y a nuestra sociedad nada más ver todas las películas que se están rodando hoy día en América, se tiraría de los pelos sólo de ver cuantos tiros, saltos y coches rotos necesita un espectador de nuestros días para decir que se lo ha pasado bien.

Una vez olvidada toda la pirotécnia obligada de mansiones y coches caros saltando por los aires, lo que nos queda es un duo de polis que alternan los papeles de tipo seguro y tipo asustado, o bien tipo enfadado y tipo culpable. Will Smith suele ser el intrépido que mete el coche en las situaciones más peligrosas y hace que Martín Lawrence se muera de miedo. Y Martín Lawrence es el padre y hermano conservador que vela por la decencia de las mujeres de la casa. Los enfados son frecuentes y a veces casan y a veces no con las infracciones de Smith para pillar al malísimo Mollá. De todos modos, si usted tiene menos de 12 años es probable que le hagan gracia. Para que le parezcan originales tendrá que ser menor de 5 añitos.

Casposo es el puritanismo de Lawrence con su hermana. Aunque la escena con el mozo que viene a llevarse a su hija para la primera cita tiene su gracia. Y más casposo, ver a los traficantes de éxtasis celebrando una ceremonia ku-ku-xklan con capuchas y todo. Es una orgía de símbolos de la que sólo faltaba la esvástica y la efigie barbuda de Bin Laden.

* El ocaso de los ídolos.

Los actores mejor pagados del mundo


Nueve privilegiados cobran en el mundo más de 25 millones de euros. Y otros 12, entre ellos una mujer, están valorados en 20 por película. Los primeros son Keanu Reeves (30 millones por cada una de las dos secuelas de Matrix), Arnold Schwarzenegger (30, por Terminator 3), Tom Hanks, Will Smith, Mel Gibson, Adam Sandler, Mike Myers, Jim Carrey (todos con 25 por filme) y Tom Cruise (25, más una participación en los beneficios: así llegó a los 75 millones por Misión imposible o a los 35 por Minority Report). Los datos han sido desvelados por la revista francesa Studio en un informe en su número de septiembre.

Con 20 millones por película están Harrison Ford, Leonardo Di Caprio, Bruce Willis, Nicolás Cage, John Travolta, Eddie Murphy, Denzel Washington, Robert De Miro, Martin Lawrence, Chris Tucker y la primera mujer: Cameron Díaz. Llama la atención en este grupo gente como Tucker o Lawrence (incluso otros como Myers y Sandler en el de los mejor pagados), más costosos que figuras del calibre de George Clooney o Brad Pitt (17,5 millones), por no hablar de Al Pacino o Robert Redford (que están en los 10 millones). Entre las chicas, tras Cameron Díaz, figuran Sandra Bullock y Reese Witherspoon (unos 17); Angelina Jolie y Nicole Kidman (unos 13), y Jennifer López, Meg Ryan y Michelle Pfeiffer (unos 12). El español Antonio Banderas está en el grupo de los de 10 millones, junto a Meryl Streep, Johnny Depp o Jude Law.

Cinemanía. Octubre 2003

Hotel Danubio

Antonio Giménez-Rico, 2003
Reparto: Santiago Ramos (Hugo), Carmen Morales (Ivón), Mariola Fuentes, José Sazatornil, Juan Jesús Valverde, Iñaki Miramón, Fedra Lorente, José Caride, María Asquerino, Antonio Gamero.
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Realidad-ficción, otra vez

Hay una competición estos días en la que Giménez-Rico no se ha resistido a dejar de participar que empieza a ser cansina. Todos los directores han decidido ver quien llega más lejos en la paradoja realidad-ficción y en la sorpresa final para un espectador que ya debería estar gritando basta. Y Giménez-Rico no debería haber entrado en liza porque tiene muy poco que decir sobre el tema. Algunos alumnos quieren sacar el diez con lo que estudian antes del exámen, y algunos directores quieren un oscar por su imagen final.

El interés de “Hotel Danubio” está en su ambientación de la España de los cincuenta, lo que equivale a decir que “Hotel Danubio” no tiene interés. El drama está en la pareja de la corista y el novelista fracasado. Él la pone a prueba, como todo el mundo pone a prueba a los demás, pero es novelista y utiliza la literatura para saber si su novia le quiere o no.

En casi todo el cine de Wilder hay situaciones parecidas. Wilder ponía a sus personajes en una situación ficticia que los obligaba a expresar las mismas emociones que en un mundo real pasan desapercibidas. Hay emociones que sólo se pueden expresar en una suposición, y el cine es uno de los pocos artes que valen para ponérnolas delante de los ojos. “Sabrina” sirve para hacernos ver que una sirvienta puede amar a un millonario a pesar de sus millones, porque Sabrina se va sin pedir nada, y “Con faldas y a lo loco” sirve para que Sugar “Monroe” se de cuenta de que no necesita a un millonario. “Hotel Danubio” hubiera mostrado con más énfasis lo que la corista lleva dentro si el guión le hubiera dejado hacerlo. Para mí era el único interés de la película, por encima del enigma.

“Hotel Danubio” entra en la terna de candidatas a disputar el oscar. Para mi gusto es la peor, así que seguramente salga elegida.